26 mar. 2015

Mommy: Una relación de amor y de sombras

* * * * *  EXCELENTE

Xavier Dolan es un reconocido director y actor canadiense que allá por el año 2009 desnudó una conflictiva relación materno-filial en “Yo maté a mi madre”, relaciones que, desde de allí, han nutrido su filmografía desde distintas perspectivas. Pese a su juventud, ha realizado largometrajes de gran calidad desde el punto de vista argumentativo/visual. Y “Mommy” (2014), su última cinta, no deja de ser una excepción a ello.
Ganadora del Premio del Jurado en el último Festival de Cannes y una de las nueve cintas preseleccionadas elegidas como finalistas en la categoría de "Mejor Película de habla no Inglesa" para los Oscar 2015, “Mommy” se centra en una Canadá ficticia. Allí se ha sancionado una ley que habilita a padres a dejar sus hijos bajo el cuidado del sistema de salud estatal, si éstos presentan graves problemas de adaptabilidad social. Die Despres, una madre viuda, intenta educar en su casa a Steve, su hijo que padece ADHD y que causó un incendio estando internado. Mediante una relación tensa, donde el amor vincular se mezcla con la violencia familiar, intentarán sobreponerse a todas las dificultades. Así es como Kyla, una vecina, ofrecerá su ayuda, involucrándose de una manera muy especial en las vidas de Steve y Die.
Lo interesante de la trama es que no centra su abordaje en un vínculo simbiótico y, hasta por momento enfermizo, de una madre con su hijo ni tampoco la reduce al desarrollo de una única visión, sino que le incorpora un tercer condimento. Y esto es lo que la hace rica en contenido y en matices: una relación de dos que se torna de tres (madre, hijo y vecina), complejizándola de una manera extraordinaria. Así, la película va tejiendo cada arista de una manera aguda, directa, cruda, sin fisuras y emotiva. Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon y Suzanne Clément son los actores que han logrado un trabajo impecable a través de una química que desborda los límites de la pantalla.
Hay cierta calidez en la película, ya sea desde las actuaciones o desde los diálogos perfectamente construidos para personajes que concentran un gran caudal de emociones a explotar. Aún en la crudeza de ciertas escenas, en las sombras que éstas proyectan, hay luz y esperanza para los protagonistas y eso conmueve y motiva al espectador a través de un cúmulo de escenas muy bien fotografiadas y estratégicamente colocadas en el montaje.
Es de esta manera que Dolan filma la película en cuadros limitados en la pantalla. Solo en ciertas ocasiones, el ojo atento de un espectador experimentado podrá descubrir que los planos se van abriendo hacia la izquierda y la derecha. ¡Qué gran recurso cinematográfico! No sólo le da prolijidad a cada escena sino que hay un contenido que la trama va desnudando a través de su utilización. Porque la ampliación de los cuadros se sincroniza con los cambios que van experimentando los personajes, los nuevos horizontes que parecen dotar de esperanza a sus futuros. Hay toda una construcción en la historia que se despliega a través de este recurso y eso es lo que debe subrayarse: cuando un director usa un determinado recurso para acompañar la trama y cuando éstos se encuentran conjugados y armonizados con lo se ve en la pantalla, es cuando se dota de plena justificación a ese uso.
El apartado musical no puede dejar de ser reconocido y valorado. Con canciones que van desde Andrea Boccelli, pasando por Dido, Eiffel 65 y Oasis para terminar en Celine Dion, la música asume un rol primordial. No solo va acompañando las distintas situaciones que la historia va planteando sino que define los estados de ánimos de los personajes e, incluso, redondea la apertura de sus vidas hacia la redención.
Un gran trabajo y un producto final loable que no debe mantenerse oculto y que merece ser tenido en cuenta. Hace tiempo que una película no me conmueve hasta las lágrimas y “Mommy” lo ha logrado. Después de esta confesión, más nada puedo agregar.

Crítica realizada por Leonardo Arce.


14 feb. 2015

Cincuenta sombras de Grey: El erotismo pop

* *     REGULAR

Mucho se esperaba esta adaptación de la novela erótica - romántica de E. L. James que causó furor entre las mujeres del mundo. Debo admitir que la historia original en sí ya me parecía bastante machista y básica, por lo que su llegada al cine tampoco me emocionó demasiado.

En primer lugar estamos hablando de una historia erótica, con algunos detalles explícitos en la escritura que no fueron llevados a la gran pantalla. Los estudios que compraron los derechos consideraron que comercialmente era mejor hacer una película apta para personas mayores de 13 años, por lo cual suavizaron y recortaron las escenas de sexo. O sea... tenemos un film por definición erótico con escasas y suaves escenas de sexo... todo mal.
Por otro lado, el enfoque de la historia escrita es al menos discutible y criticable. La protagonista femenina se enamora perdidamente de un misógino incapaz de brindar amor verdadero, cuya libido no funciona si no hay violencia y frialdad en el acto sexual. Mientras más duro e imbécil es el protagonista masculino, más se enamora la protagonista. ¿Les suena? ¿Algún encasillamiento probablemente? ¿Un poco machista quizás? La esencia del relato es apelar a la supuesta necesidad patológica que tienen las mujeres de tratar de cambiar la personalidad de los hombres, de "salvarlos" de su estado primitivo y convertirlos en príncipes azules. A esto le digo... Bull Shit! Esto fortalece la idea de que las mujeres son estúpidas y eso está mal. Recuerdo una foto que anda dando vueltas con 3 chicas del club de fans de "Fifty shades of Grey" de espaldas, cuyas remeras e conjunto forman la palabra "sumisas"... Realmente patético.
Por el lado de las interpretaciones, debo decir que me parecieron correctas, que cumplen con las exigencias del rol. Ni Jamie Dornan (Mr. Grey) ni Dakota Johnson (Anastasia Steele) nos brindaron interpretaciones dignas de Oscar, pero se nota que investigaron y se tomaron sus roles en serio. Dakota destiló inocencia y sexyness como debía y Jamie ofreció un joven, sofisticado y traumado Mr. Grey, aunque podría haber sido un poco más oscuro.
Como conclusión diría que el producto final no es bueno ya que en pos de rédito comercial, se sacrificó el erotismo que la hacía interesante en primer lugar. Por otro lado, la interacción que plantearon entre los dos protagonistas me resultó un tanto infantil, lo que sumado a la falta de sexo hizo que la experiencia sea mediocre.
Ya anunciaron que van a filmar dos secuelas más, que si siguen esta misma línea serán igual de desabridas que la experiencia cinematográfica inicial. 
No recomendable.



12 feb. 2015

Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia): Convertirse en personaje

* * * *   MUY BUENA

"Birdman" es una de esas sorpresas que llegó con poca promoción a las salas de nuestro país. Venía con muy buenos ingredientes y referencias, pero como toda película de corte independiente y de autor, no recibió mucha atención por parte de las grandes distribuidoras y salas de cine.
Desde el inicio se perfiló como film potente para competir por premios cinematográficos, entre ellos el Golden Globe y el Oscar 2015. 
Dirigida por el prestigioso director mexicano Alejandro Gonzalez Iñárritu ("Babel", "Amores Perros") y protagonizada por Michael Keaton ("Batman", "Beetlejuice"), Emma Stone ("Historias Cruzadas"), Edward Norton ("El Ilusionista") y elenco; la historia nos muestra la vida de Riggan, un ex super héroe de acción de la gran pantalla hollywoodense, que luego de dejar su emblemático personaje, lucha por ser tomado en serio en el cruel ambiente artístico, para lo cual monta una importante obra de teatro en Nueva York con la que pretende consagrarse, cosa que no le va a ser para nada fácil.
Puntos fuertes de esta propuesta: En primer lugar quiero resaltar la trama. Tomar una historia simple como el ascenso y el descenso de un artista en Hollywood no parece ser la gran cosa, pero el enfoque que le dieron los guionistas argentinos Armando Bo y Nicolás Giacobone, junto a Alexander Dinelaris y el mismo Gonzalez Iñárritu, es soberbio y logran dotarla de tensión, comedia y dramatismo al mismo tiempo. La historia de Riggan es tragicómica, es dura, genera rechazo y adhesiones, todas cuestiones que el equipo de escritores y el director supieron transmitir muy bien en los momentos importantes del film.
Otro punto fuerte es la cinematografía. Todo sucede en un falso plano secuencia que está muy bien editado, tanto que pareciera que realmente se filmó en una sola toma. La estética está muy bien cuidada, con mucha dirección de arte, algo que encantó a la crítica y los espectadores ligados al mundo del diseño y el arte. Por momentos creo que se exageró un poco con estos factores cinematográficos y artísticos, como si hubieran sido pensados exclusivamente para cosechar premios y engatusar al público más artístico. No está mal, pero por momentos se notan un tanto forzados.
Lo último que quiero resaltar como pilar positivo está ligado a las interpretaciones de los protagonistas. Michael Keaton regresa con fuerza y un despliegue de talento increíble. Firme candidato al Oscar. Me pone contento su vuelta a la cima del cine. Por su lado Edward Norton, Emma Stone, Naomi Watts, Andrea Riseborough y Zach Galifianakis hacen un muy bueno trabajo de acompañamiento, sobre todo Stone que se la puede disfrutar en un rol distinto de lo que nos tiene acostumbrados y Norton que aplica esa excentricidad a lo "Wes Anderson" que tanto le gusta.
Ahora lo no tan bueno: Creo que si bien hay un muy buen manejo de una historia común que fue transformada en un relato para recordar, se nota que el director estaba yendo en busca de premios. Hay algunos elementos que sólo suman excentricidad, que son caprichos snobistas para cierto público y eso creo que le baja un poco la calidad. Se supone que uno como espectador no debería advertir estas cuestiones, pero acá están bastante claras.
En general creo que la película es un muy buen entretenimiento, con mucho talento puesto al servicio de la historia que se quiso contar. Personalmente le habría bajado un poco el tono snob, pero más allá de eso, creo que estamos ante una de las mejores películas que vamos a ver en 2015.



7 feb. 2015

El destino de Júpiter: Mundo Wachowski

* * *     BUENA

Los Wachowskis vuelven al ruedo con una super producción que lamentablemente no tuvo el resultado que esperaban. ¿Es un moco? No. ¿Es un peliculón que la gente no supo apreciar? Tampoco. En realidad es un buen film de aventuras y ciencia ficción, que si bien logra entretener no llega a maravillar y se torna un producto de corto o, a lo sumo, mediano plazo. Hoy en día con la cantidad de bombardeos del cine no alcanza con ser un producto aceptable, menos si el presupuesto dedicado a la producción sobrepasa los 170 millones de dólares.
Lana y Larry insisten en la creación de mundos intergalácticos complejos en los que insertan una historia que más o menos funciona. El problema es que se concentran demasiado en la elaboración del contexto de la historia y no en la historia misma.
En esta ocasión nos presentan a Júpiter Jones, interpretada por Mila Kunis, una joven de ascendencia rusa que limpia casas para ganarse la vida. El tema es que Júpiter no sabe que en realidad es parte de una poderosísima familia que controla parte de la galaxia, los Abrasax. Cuando los intereses económicos y políticos de sus familiares se ven amenazados por su existencia, mandan a distintos grupos de cazadores a eliminarla. Entre estos mercenarios, se encuentra Caine Wise, Channing Tatum, un híbrido mezcla de lobo y humano que se arrepentirá de su misión y la ayudará a mantenerse a salvo de las garras de sus familiares galácticos. La ayudará mucho, ya que durante todo el metraje Júpiter la juega de damisela en peligro, un tanto inútil.
Y... primero que todo, tiene varios clichés. El mercenario que se enamora de la protagonista es algo ya un tanto gastado. Que Júpiter sea una débil mujer que debe ser protegida y salvada por el machote, también es antiguo. Y así hay algunos clichés más. 
Por otro lado, presenta un nuevo mundo de ciencia ficción que si bien tiene referencias a varios exponentes del género que ya hemos visto, resulta atractivo a los sentidos y una bocanada de aire con respecto a la creciente cantidad de remakes y secuelas. Acá no queda otra que aplaudir a los hermanos Wachowski, que más allá de que no vienen teniendo mucho éxito, nunca bajan los brazos y siempre nos quieren ofrecer algo distinto, nuevo, que no hayamos visto aún. Estos mundos mágicos de ficción pueden gustar más o menos, pero es innegable que los tipos le ponen mucha garra y talento para crearlos. 
El problema de estos directores y escritores es que elaboran ideas grandilocuentes que luego no son bien moldeadas en el guión. Se limitan para poder llevar adelante la historia de manera fluida y original, y terminan cayendo en varios lugares comunes del género de la ciencia ficción y la acción. Suman por el lado de la innovación en el planteamiento de la trama y en los aspectos técnicos, pero restan a la hora de llevar adelante la idea y hacer un cierre digno de un film de estas dimensiones.
Es entretenida, colorida, con buenos efectos visuales y una premisa no tan común, pero también es un poco estruendosa de más, contiene varios clichés y abarca más de lo que puede apretar. Sólo para fanáticos de la ciencia ficción.



5 feb. 2015

El código enigma: Un llamado de atención a la ignorancia

* * * *   MUY BUENA

"The imitation game" es una película sobre la labor durante la Segunda Guerra Mundial del matemático, llamado el padre de la computación, Alan Turing. 
Poco se conocía de su genialidad y gran aporte al fin de la guerra, en gran parte, por la torpeza de una mentalidad obtusa de la sociedad de esa época que lo relegó a las sombras por el solo hecho de haber sido homosexual. Y de eso justamente se trata la película, de reivindicar y hacer conocer un poco de la vida de este atormentado genio que hizo un gran aporte a la humanidad mientras que esta sólo le dio la espalda.
Como buen superdotado, Turing era un tipo incomprendido y bastante insoportable, tanto que enfurecía a casi cualquier persona que tuviera que lidiar con él, ya sea laboralmente como en la vida cotidiana. Con varios problemas familiares desde su infancia, esto tampoco ayudó a formar un carácter amable en él. Bullying en el colegio, la pérdida de su primer amor a causa de la tuberculosis, algunos problemas mentales como la paranoia... no debe haber sido nada fácil ser Alan Turing.
El director Morten Tyldum ("Headhunters") junto al guionista Graham Moore hicieron un gran trabajo, dándole a la trama una combinación de drama y suspenso que mantiene interesado al espectador. La dupla protagonista que conformaron Benedict Cumberbatch y Keira Knightley tuvo buena química, esta última sabiendo despertar el lado amable y más humano de Benedict en la piel de Turing. 
Los carrera armamentística nazi era muy avanzada para la época y entre algunas maravillas de la guerra, tenía un sistema de comunicación en clave al que los británicos llamaron "Enigma". Los aliados al conocer de este recurso, se dieron cuenta que descifrando los códigos podrían aventajar a los alemanes y fue por esto que armaron un grupo de trabajo con mentes brillantes entre las que se encontraba la del matemática Alan Turing. Cuando la investigación y las pruebas llegaron a puntos desalentadores para todo el equipo, fue Turing quien vio más allá y puso en marcha la construcción de una máquina que pudiera descifrar a Enigma. Esto, junto a su soberbia y falta de tacto, llevó a que se produjeran grandes discusiones con sus propios compañeros de equipo como con los directivos del proyecto. La historia contada en el film, nos muestra como sus compañeros supieron descubrir el lado bueno del matemático y como éste también aprendió de ellos, sobre todo lo que hace a don de gentes.
La perseverancia, el trabajo incansable, la visión atinada del bien común (algo que no siempre es fácil de dilucidar) y la gran inteligencia llevaron a este hombre a jugar un rol fundamental en la historia de la humanidad y nosotros casi no sabíamos de su existencia. Aplaudo a quien se le ocurrió rescatar la figura de Turing.
Desde el punto de vista cinematográfico, la adaptación del libro de Andrew Hodges está muy bien llevada a lo audiovisual, quizás con un ritmo un tanto más lento que lo que puede ofrecer la lectura, pero con un desarrollo que permite al espectador identificarse con el personaje principal. Por momentos lo detestás, otro te parece un crack, luego lo volvés a despreciar un rato y más tarde lo querés de nuevo. Se hizo un buen trabajo exhibiendo las fortalezas y las debilidades de la persona.
La interpretaciones como resalté más arriba en esta reseña son muy buenas, sobre todo Cumberbatch que brinda una performance entrañable. El reparto acompaña muy bien y se notó que hubo una dirección cuidado en cada escena.
Un film biográfico para conocer sobre algunas personalidades que han hecho mucho por el mundo y de los cuales se sabe muy poco. Una película que nos muestra nuestros errores como sociedad con el fin de que aprendamos algo para mejorar en el futuro.



20 ene. 2015

El séptimo hijo: Otra buena historia mal contada

* *     REGULAR

Otra buena historia que falla cinematográficamente por la falta de tino en la adaptación y los errores de producción. "El Séptimo Hijo" se supone que debería haber sido una gran película de aventuras y fantasías ya que contaba con un presupuesto de más de $90.000.000 de dólares, un cast que incluía nombres oscarizados como Jeff Bridges y Julianne Moore y una historia entretenida de brujas, cazadores y monstruos míticos. La realidad demostró que la suma de buenos ingredientes no es suficiente para lograr algo de calidad. Acá faltó una mano experimentada en materia de narración y otra en dirección que supiera mezclar esos ingredientes.

La fecha de estreno fue cambiada en reiteradas veces por falta de un cierre en la postproducción. El producto final no convencía a los propios productores que la fueron aplazando.
Lo más flojo que salta a la vista es la falta de cohesión en la narración. La historia va dando saltos de tiempo irregulares que se notan fueron ensamblados sobre el final de la edición como para zafar. La forma en la que se va desarrollando la trama es bastante básica y se enfoca en los momentos de acción más que en la esencia de los acontecimientos. Por otro lado, la construcción de sensaciones en el espectador es bastante mala también. Se supone que debería producirnos un poco de temor, de vértigo por las escenas de combate, de regresión al niño interior por la aventura, pero lo único que termina produciendo es pena por percibir que se podría haber hecho algo mucho mejor. La villana no genera odio, el protagonista principal es muy insulso y el protagonista de reparto por más de que hace el esfuerzo no logra levantar demasiado la peli.
Julianne Moore ("Still Alice") está muy sobreactuada y desaprovechada. Claro no sería tanta culpa de la actriz ya que somos conscientes de su talento. Creo que se equivocaron en poner a Ben Barnes ("Las crónicas de Narnia") como protagonista y no a Kit Harington ("Game Of Thrones") que le pasa el trapo en materia de carisma. Jeff Bridges ("Crazy Heart", "True Grit") hace lo que puede pero no es suficiente para elevar la propuesta. Cierran Antje Traue ("Man of Steel") y Alicia Vikander ("Anna Karenina") que están correctas en su roles pero nada del otro mundo.
Los efectos visuales en sí son buenos, pero la estética utilizada es la que me resultó un tanto chota. Esas secuencias con brillo artificial como para darle solemnidad fueron realmente molestas. El demonio de 4 brazos parecía un chiste de la producción y las transformaciones de Julianne Moore en dragón fueron torpes.
En conclusión, "Seventh Son" es una película que sólo podrán disfrutar a full los más fanáticos de los mundos fantásticos y las aventuras, esos espectadores que ya con ver algunos monstruos bien diseñados se dan por satisfechos. Para el que va a buscando una aventura que despierte sensaciones, está al horno. Un producto que podría haber sido mucho mejor si hubiera tenido un tratamiento más profesional.



1 ene. 2015

El Hobbit, la batalla de los cinco ejércitos: Un cierre digno y entretenido

* * * *   MUY BUENA

Mucho se había hablado sobre este nueva trilogía de Peter Jakcson y mucho se la había comparado con su obra máxima, "El Señor de los Anillos". La verdad es que en ese enfrentamiento "El Hobbit" resultaba ser siempre la perdedora y con razón. Para empezar, en las historias contadas en los libros de Tolkien, "El Señor..." es mucho más rica y compleja que el "El Hobbit", por lo cual ya de entrada la historia es superior. Dicho esto, las aventuras del hobbit Bilbo Bolsón no son para menospreciar en absoluto, pero no tienen tantos matices como la obra máxima de Tolkien.
Bastante alto había comenzado esta nueva trilogía de Jackson con "Un viaje inesperado", introduciéndonos nuevamente en la Tierra Media, presentándonos personajes que conocíamos de los libros pero nunca habíamos visto en el cine y entreteniéndonos con aventuras épicas y mágicas. En la segunda parte, "La desolación de Smaug", el entusiasmo y la calidad decrecieron un tanto, el primer factor por el hecho de que se planteó un estiramiento innecesario de la trama con un fin puramente económico y el segundo por el estancamiento de la dinámica del relato para enfocarse en detalles que, por más lindos que resultaran a la vista y a la imaginación del fan, eran bastante superfluos. Estirar tanto una historia tiene efectos despotenciadores en su impacto. Situaciones que en el libro eran realmente interesantes, se terminaban desinflando en la película por este alargamiento.
Por suerte esta tercera parte y cierre de la trilogía, vuelve renovada, más dramática, épica y oscura. Finalmente Jackson avanza con todo el cierre de la manera que esperábamos, con mucha ansiedad creada en el espectador, con grandes momentos de tinieblas, traición, camaradería, amistad y, sobre todo, mucho heroísmo. El comienzo ya es dinámico y marca los épico que va a ser todo lo que sigue. Las batallas son grandilocuentes y recuerdan nuevamente la gran producción de "El Señor...". Los enfrentamientos cuerpo a cuerpo, a pura espada, flechas y lanzas, nos ofrecen aventura combinada con mucha acción de la buena. Podrán ver ejércitos de elfos, de orcos, de enanos, de hombres, todos batallando por una porción de la riqueza de Erebor, riqueza que hizo perder la cabeza a los antepasados de Thorin y ahora amenaza a la integridad del mismísimo rey enano, teniendo como titiritero al señor oscuro, Saurón.
Un gran final para esta historia de aventuras y heroísmo, que por más de que trastabilló con un estiramiento innecesario, se las arregla para despedirse con muchos homenajes y guiños a sus fanáticos. Un verdadera fiesta para los amantes de la Tierra Media.


26 dic. 2014

El Apocalipsis: De lo peor que podés llegar a ver este año

*         MALA

Algunas congregaciones religiosas apocalípticas se están armando de más dinero y recursos para llevar su propaganda a la gran pantalla, lo cual no está mal, pero el problema que están teniendo es que esos recursos que están consiguiendo no tienen la mejor calidad o conocimiento del mundo del cine.

Seguramente varios se sorprenderán en saber que esta película es en realidad una remake de otro trabajo que se estrenó en el año 2000 con el mismo nombre que también era bastante mala. No sólo esto, sino que luego hubo una segunda y tercera parte, en los años 2002 y 2005 respectivamente, que también fueron muy malas. Por eso digo que hay que tener recursos y ganas para reflotar un producto como este y volver a ofrecer algo igual de malo o peor que el original.
En primer lugar, si me querés transmitir algo tan delicado como una creencia religiosa, tenés que tener a un buen grupo de guionistas, que con sutileza e ingenio me hagan comprar la idea o parte de ella. Acá los escritores parecen gente con poco experiencia o poco profesionales, ya que sin ningún tipo de inteligencia nos vomitan toda la historia con diálogos tontos y bajadores de línea. No se remiten a ningún dato histórico, no le recuerdan al espectador lo que es el Apocalipsis, no vuelven sobre las lecturas de la Biblia más allá de alguna referencia, nada. Simplemente nos dicen que llegó el Apocalipsis y se llevó a los creyentes para dejar sobre la faz de la Tierra sólo a los condenados. No leí la novela del escritor Jerry B. Jenkins, pero si la trama del libro es igual a lo que nos ofrecen en la película, no entiendo como llegó a ser best seller.
Hace poco salio otro film al estilo llamado "El Remanente", que también era malo y era aún más fundamentalista, pero al menos le había puesto un poco más de huevo a la producción, con algunos efectos visuales que zafaban. Acá directamente los efectos son pésimos y aburridos. Por ejemplo la desaparición de los creyentes es patética y las explosiones son super artificiales.
Luego tenemos el tema de las interpretaciones... Bueno, Nicolas Cage parece que anda nuevamente corto de guita y aceptó hacer algo que le redituara unos mangos. Por supuesto que su rol es lo de siempre, tipo complicado que en realidad tiene buen corazón. Actuó en piloto automático. Los demás, Nicky Whelan, Chad Michael Murray, Lea Thompson, Cassi Thompson, Jordin Sparks, pierden aceite a lo loco.
Aburrida, de producción pobre, mal guionada, con bajada de línea religiosa torpe. no hay mucho más para agregar. Esquívenla.



25 dic. 2014

Escobar, Paraíso Perdido: El “Padrino” de Colombia

* * *     BUENA

Pablo Escobar fue un personaje vital en la historia colombiana del siglo XX. Su nombre se ligó al narcotráfico, a la riqueza, al poder político, al amor popular y a la mafia. Un personaje de naturaleza ambivalente y, por consiguiente, polémico, resulta terriblemente seductor para la industria del cine.
El aclamado actor Benicio del Toro personifica al jefe del cartel de Medellín y, aunque la película lleva su nombre, no es el protagonista excluyente. Sorpresivamente lo es un joven canadiense amante del surf: Nick, interpretado por Josh Hutcherson (más conocido por ser Peeta en "Los Juegos del Hambre"). Nick viaja a Colombia junto a su hermano para disfrutar de sus playas. Allí conoce a María, una muchacha dedicada a la caridad. Resulta que ella es sobrina del famoso Pablo Escobar y, de esta manera, Nick ingresa en su círculo más íntimo. Lo que comenzó como admiración hacia el tío de su novia, se transformará en terror al punto de no poder escapar de su influencia.
Esta película me hizo recordar un poco a “El último rey de Escocia”, en la que el protagonista tiene cierta fascinación por el dictador ugandes, veneración que se diluye al descubrir la violencia que domina su entorno. Aquí estamos ante algo similar, pero con algunas falencias.
Creo que la historia es bastante sencilla, plana y, hasta por momentos, muy predecible. Se utiliza el flashback y resulta atractiva su incorporación ya que ayuda mucho al planteo general de la trama, configurando un gran acierto de los montadores. Pero hay ciertas lagunas en el planteo de las distintas situaciones y existen desenlaces demasiados ligeros que ni el montaje logra impedir. Da la sensación de que hay escenas eliminadas porque hay cuestiones aisladas y cambios en los personajes que no tienen justificación. Es decir, hay una estructura general del guión que es claro pero cuando la historia intenta profundizar un poco muestra serias dificultades.
Vale aclarar que el problema no está en el trabajo de los montadores sino en el de los guionistas, quienes optaron por poner la vida de Pablo Escobar en un segundo plano y centrar la historia en un joven canadiense. Casi es imperdonable que no exprimieran cada gota de jugo que ofrece la vida del colombiano. La premisa que sostiene que la violencia, el narcotráfico y la desestabilización política y social es marca registrada de Latinoamérica se olfatea a lo largo de toda la cinta. Quizás a modo de compensación, el director italiano Andrea Di Stéfano nos regala escenas de acción y suspenso más que satisfactorias.
Gran interpretación la de Benicio del Toro, quien le da profundidad a su personaje, el que aparece poco en pantalla pero que deslumbra cuando lo hace. Muy a lo Vitto Corleone. No es fácil construir un personaje que produce cariño al principio y miedo al final, que es buen padre de familia a la vez que es un asesino implacable. Benicio ha demostrado solvencia.
Todo biopic cuenta con un caudal de información a disposición de los guionistas. Aquí se nota que el uso de la historia del personaje no fue el óptimo. Le falta riqueza a la trama, una base histórica un poco más sólida y un cierre homogéneo para hacerla atrapante y valiosa. Aún así, no es un producto mediocre y se puede apreciar.

Crítica realizada por Leo Arce.



23 dic. 2014

La entrega: Crimen a lo Lehane

* * * *   MUY BUENA

"The Drop" o "La Entrega" (una de las pocas veces que se traduce un título literalmente en cine, aplausos) es un policial escrito por Dennis Lehane, talentoso novelista que creó historias famosas llevadas al cine como la de "Río Místico" y "La isla siniestra" entre otras. En este caso adapta un cuento propio llamado "Animal Rescue" que se centra en un bartender de los barrios bajos de Nueva York que atiende junto a un encargado un bar "pantalla" a través del cual la mafia chechena lava dinero sucio. Un día el bar es asaltado por ladrones de poca monta y la mafia obliga a sus empleados a recuperar el dinero.
El policial tiene como protagonistas a Bob, un cada día más talentoso Tom Hardy, a Marv, James Gandolfini en su último rol antes de morir, Nadia, una tímida mujer interpretada por Noomi Rapace que se cruza en el camino de Bob y Eric, el psicópata ex novio de Nadia que se verá enfrentado con Bob a causa de celos y una oportunidad de chantajearlo.
En primer lugar se debe resaltar que la historia escrita por Lehane es muy buena, con personajes ricos en historia y carácter. El trabajo conjunto con el director Michael R. Roskam estuvo bien coordinado y lograron construir una película que atrapa desde el inicio, con personajes enigmáticos que se van revelando cada vez más su esencia a medida que avanza en metraje. El trabajo interpretativo es de alta calidad, destacándose las actuaciones de Hardy y Gandolfini. Noomi Rapace está bien pero su personaje quedó un poco relegado, al igual que la intervención de Matthias Schoenaerts como Eric, que aparece ya bien avanzada la peli.
Si bien el guión no presentó intrincadas situaciones, hubo una buena construcción del clima de suspenso y la oscuridad del mundo de la mafia, lo que derivó en que todo se vea más creíble y como espectadores podamos involucrarnos más. El tono estético de la propuesta fue gris y frío, lo que transmitía de alguna manera la dura vida que llevan las personas que se mueven en el mundo del crimen neoyorquino.
El único aspecto que me pareció un tanto flojo fue la lentitud con la que pasaban algunas secuencias que no eran tan fundamentales para el film, como por ejemplo la relación de Marv con su hermana o algunos diálogos de Bob con Eric.
Una muy buena propuesta de crimen y suspenso que de seguro resultará del agrado de los lectores de historias policiales o de la mafia. Es un poco más lenta que otros exponentes del género, pero hace hincapié en algunos detalles y nos presenta algunos diálogos que son dignos de disfrutar. Recomendable.


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