23 abr. 2015

Los Vengadores, Era de Ultron: La sinergia se dispersa un poco

* * *     BUENA

Mucho esperé esta secuela por lo que me había gustado la primera entrega y las expectativas que se fueron generando eran realmente altas. "Los Vengadores" me había parecido un entretenimiento excelente, bien pensado y ejecutado con mucha pericia. El nuevo camino del cine pochoclero. Con "Los Vengadores: La Era de Ultron" no pude vivir lo mismo y me quedó un gustito un tanto amargo, no porque la película sea mala, sino porque en su afán de involucrar más y más personajes, se descuidó la tridimencionalidad de los protagonistas y se le quitó un poco de alma al guión. 
Es un entretenimiento bueno, cargado de mucha acción, personajes que nos encantan de los comics y el humor característico de Marvel, pero en su ejecución general quedó inferior a su antecesora.
Lo primero a analizar es la incorporación de nuevos jugadores. Ya en la primera entrega podíamos ver el hito de juntar un gran número de famosos superhéroes encarnados por grandes estrellas de Hollywood. Iron Man (Robert Downey Jr.), Thor (Chris Hemsworth), Capitán América (Chris Evans), Hulk (Mark Ruffalo), Viuda Negra (Scarlett Johansson) y Hawkeye (Jeremy Renner). Parecía que con tanta figura se iba a perder la esencia de cada uno, o al menos de algunos a los que le dieran menos bolilla. Whedon se las arregló para hacer que todo fluyera muy naturalmente y no fuera relegado ningún personaje. En esta segunda entrega lamentablemente no sucedió esto, sobretodo con los nuevos personajes, Scarlet Witch (Elizabeth Olsen), Quicksilver (Aaron Taylor-Johnson) y Vision (Paul Bettany). Más allá de la emoción de verlos en pantalla, ninguno de los tres sobresale demasiado y no tienen una relevancia fuerte más allá de que Whedon hizo un esfuerzo para imponerla como parte del guión, al menos con los gemelos. No llegamos a conectar demasiado con ellos, cuestión que sobre el final toma gran importancia impactando de manera negativa en el giro de la trama. Sin empatía, no hay reacción emocional a la suerte que corren los personajes, y eso fue un gol en contra. El único que realmente se destacó desde lo empático, fue Hawkeye.
Otra cuestión que no favoreció al film fue la personalidad juguetona que le imprimieron al villano Ultrón, con la voz de James Spader. Sabemos que una parte importante de los films de Marvel es el humor, pero justo concentrar gran parte de él en el malo de la película, simplemente no me pareció correcto. La idea me parece que debió ser aterrorizarnos más con Ultrón, no tratar de hacernos reír con comentarios malévolos y analogías cómicas.
Por último, creo que a esta segunda entrega de Los Vengadores le faltó un poco de carisma, de conexión con el público. Si recordamos al villano Loki (Tom Hiddleston) de la primera, su empatía fue excelente. Lo mismo con personajes como Hulk o Iron Man. Acá todo se volvió un poco más automático. Todos cumplen con su función, pero no se destacan demasiado en sus roles.
En el apartado de lo positivo, primero debo resaltar el nivel cada vez más alto de los aspectos audiovisuales. La verdad es que es una verdadera fiesta para los ojos y los oídos. Ver hechos realidad al Hulkbuster, a Vision, Hulk y hasta el mismo Ultrón, son maravillas modernas que agradecemos muchísimo. Hay peleas mano a mano, muchas explosiones y coreografías de combate muy copadas. En este aspecto no hay nada que objetar. Por otro lado, creo que el centro de la trama fue mucho más original e interesante que el del primer film, con un villano que nació como parte de un proyecto de buenas intenciones, lo que le dio una cierta dualidad que resultó atrayente. El problema fue el tratamiento que se le dio a esto en la pantalla, sin saber conectar al 100% el personaje de Ultrón con el espectador, algo que sí habían logrado con Loki.
En general el balance es positivo, porque "Los Vengadores: La Era de Ultrón" logra su cometido de entretener y continuar con la franquicia millonaria con un muy buen nivel de ejecución audiovisual, aunque en comparación con la primera entrega, el tratamiento de los personajes y la trama resultaron inferiores.
Esperemos los hermanos Russo la vuelvan a llevar hacia la sinergia de la primera entrega de Whedon.



26 mar. 2015

Mommy: Una relación de amor y de sombras

* * * * *  EXCELENTE

Xavier Dolan es un reconocido director y actor canadiense que allá por el año 2009 desnudó una conflictiva relación materno-filial en “Yo maté a mi madre”, relaciones que, desde de allí, han nutrido su filmografía desde distintas perspectivas. Pese a su juventud, ha realizado largometrajes de gran calidad desde el punto de vista argumentativo/visual. Y “Mommy” (2014), su última cinta, no deja de ser una excepción a ello.
Ganadora del Premio del Jurado en el último Festival de Cannes y una de las nueve cintas preseleccionadas elegidas como finalistas en la categoría de "Mejor Película de habla no Inglesa" para los Oscar 2015, “Mommy” se centra en una Canadá ficticia. Allí se ha sancionado una ley que habilita a padres a dejar sus hijos bajo el cuidado del sistema de salud estatal, si éstos presentan graves problemas de adaptabilidad social. Die Despres, una madre viuda, intenta educar en su casa a Steve, su hijo que padece ADHD y que causó un incendio estando internado. Mediante una relación tensa, donde el amor vincular se mezcla con la violencia familiar, intentarán sobreponerse a todas las dificultades. Así es como Kyla, una vecina, ofrecerá su ayuda, involucrándose de una manera muy especial en las vidas de Steve y Die.
Lo interesante de la trama es que no centra su abordaje en un vínculo simbiótico y, hasta por momento enfermizo, de una madre con su hijo ni tampoco la reduce al desarrollo de una única visión, sino que le incorpora un tercer condimento. Y esto es lo que la hace rica en contenido y en matices: una relación de dos que se torna de tres (madre, hijo y vecina), complejizándola de una manera extraordinaria. Así, la película va tejiendo cada arista de una manera aguda, directa, cruda, sin fisuras y emotiva. Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon y Suzanne Clément son los actores que han logrado un trabajo impecable a través de una química que desborda los límites de la pantalla.
Hay cierta calidez en la película, ya sea desde las actuaciones o desde los diálogos perfectamente construidos para personajes que concentran un gran caudal de emociones a explotar. Aún en la crudeza de ciertas escenas, en las sombras que éstas proyectan, hay luz y esperanza para los protagonistas y eso conmueve y motiva al espectador a través de un cúmulo de escenas muy bien fotografiadas y estratégicamente colocadas en el montaje.
Es de esta manera que Dolan filma la película en cuadros limitados en la pantalla. Solo en ciertas ocasiones, el ojo atento de un espectador experimentado podrá descubrir que los planos se van abriendo hacia la izquierda y la derecha. ¡Qué gran recurso cinematográfico! No sólo le da prolijidad a cada escena sino que hay un contenido que la trama va desnudando a través de su utilización. Porque la ampliación de los cuadros se sincroniza con los cambios que van experimentando los personajes, los nuevos horizontes que parecen dotar de esperanza a sus futuros. Hay toda una construcción en la historia que se despliega a través de este recurso y eso es lo que debe subrayarse: cuando un director usa un determinado recurso para acompañar la trama y cuando éstos se encuentran conjugados y armonizados con lo se ve en la pantalla, es cuando se dota de plena justificación a ese uso.
El apartado musical no puede dejar de ser reconocido y valorado. Con canciones que van desde Andrea Boccelli, pasando por Dido, Eiffel 65 y Oasis para terminar en Celine Dion, la música asume un rol primordial. No solo va acompañando las distintas situaciones que la historia va planteando sino que define los estados de ánimos de los personajes e, incluso, redondea la apertura de sus vidas hacia la redención.
Un gran trabajo y un producto final loable que no debe mantenerse oculto y que merece ser tenido en cuenta. Hace tiempo que una película no me conmueve hasta las lágrimas y “Mommy” lo ha logrado. Después de esta confesión, más nada puedo agregar.

Crítica realizada por Leonardo Arce.


26 feb. 2015

Alma Salvaje: Más bien, un moderado salvajismo

* * *     BUENA

"Alma Salvaje" es un película sobre la travesía que emprendió la escritora y bloguera Cheryl Strayed para encontrarse a sí misma y superar los traumas que le habían dejado la muerte de su madre a causa de un cáncer feroz y la conducta viciada que estaba teniendo.
Cheryl escribió un libro llamado "Wild: From Lost to Found on the Pacific Crest Trail" en el que cuenta como fue su travesía por más de 1000 KM, su viaje de superación interna, las causas que la llevaron a emprender la aventura, las dificultades que debió sortear y el proceso de sanación espiritual que experimentó.
En la piel de este interesante personaje encontramos a la ganadora del Oscar, Reese Witherspoon ("Walk the line"), bajo la dirección del canadiense Jean-Marc Vallée, responsable de la aclamada película "Dallas Buyers Club" con la cual Jared Leto y Matthew McConaughey ganaron un Oscar cada uno por sus interpretaciones. En esta producción la dirección parece haber estado un poco más dispersa, ya que si bien "Alma Salvaje" es toda Reese Whiterspoon y se nota el talento de la actriz, no llega a enamorar o maravillar como si lo hicieron McConaughey y Leto. El personaje de Cheryl es sumamente interesante en la vida real, pero Vallée parece haberse concentrado más en el contexto que rodeaba a la protagonista y no tanto en su transformación interior. Las experiencias que vive la protagonista en pantalla no llegan a tener la fuerza que uno podría esperar de este tipo de film superador. Hay demasiados flashbacks que nos muestran el pasado de Cheryl, la relación con su familia, sobretodo con su fallecida madre, la dura infancia que tuvo, los problemas conyugales a raíz de los excesos, la promiscuidad y las drogas, etc. No está mal mostrar esto, pero creo que se le dio equivocadamente más peso al pasado que al presente de la protagonista, que es justamente donde está el desafío de superación.
En el camino del Pacific Crest vivirá algunas cuestiones propias de un viaje que exige sacrificios y mucho esfuerzo físico, pasando horas incontables consigo misma y algún que otro esporádico encuentro con otros senderistas. Ésta es en realidad la parte más interesante del film y la que lo hace más entretenido.
Es un buen producto y tiene los condimentos de una historia de superación motivadora, aunque en esta ocasión Vallée pone el piloto automático en varios elementos y cae en algunos clichés del género. Se deja ver.



19 feb. 2015

Kingsman, el servicio secreto: Un Bond a lo Kick-Ass

* * * *  MUY BUENA

"Kingsman" es la nueva película del prolífero director Matthew Vaughn ("X-Men: First Class", "Kick-Ass") basada en el comic de Mark Millar y Dave Gibbons, "The Secret Service". Como ya es costumbre de Vaughn, el film tiene esa linda mezcla de acción pop con violencia explícita que la hace fresca pero adulta. En dinámica, es muy comparable con "Kick-Ass", película ya casi de culto que también nos presentaba a un anti héroe juvenil con el que el espectador se podía identificar.
En esta ocasión, se parodia (respetuosamente) y homenajea al cine de espionaje, sobre todo a su icono indiscutible, James Bond. En sus diálogos y secuencias de acción, "Kingsman" se adentra en el submundo de la inteligencia militar y le pone un aura cool a todo lo que va repasando. Nuestro héroe Eggsy (Taron Egerton) resulta ser un pibe copado, con problemas de conducta pero buen corazón, que es reclutado por un mentor aún más copado que él, llamado Galahad (Colin Firth). Tras la muerte del agente Lancelot en una peligrosa misión, la agencia secreta de los Kingsman se topó con la necesidad de encontrar un suplente que sea digno del puesto. En este búsqueda, Galahad recuerda que tenía una deuda pendiente con la familia de un agente amigo que dio su vida por él. Es aquí cuando busca y recluta a Eggsy. Dentro de la organización secreta hay otros jugadores de importancia como Merlín y Arhtur, interpretados de manera maravillosa por Mark Strong y Michael Caine respectivamente. Del otro lado tenemos a Valentine, un villano tan malicioso como divertido en la piel de Samuel L. Jackson, casi que caricaturesco, acompañado de una secuaz mortífera llamada Gazelle que recuerda de cierta manera a la Gogo Yubari de "Kill Bill". Su móvil maligno parte de un ideal positivo, pero como todo buen psicópata, la única forma en que ve que se puede llevar a cabo es a través de la destrucción del ser humano.
Vaughn toma el comic de Millar y Gibbons y le da vida con una pericia enorme, con mucho conocimiento de su público y de lo que la palabra entretenimiento significa. Las secuencias de acción son muy dinámicas, están perfectamente coreografiadas y los efectos especiales están al servicio de la intriga, la comedia y la acción. Debo advertir que es violenta, al estilo "Kick-Ass", con cuerpos mutilados y sangre, por lo que habrá gente que quiera esquivarla. Para los que disfrutamos de la acción sin tapujos y con un toque de humor negro, es una propuesta super atractiva.
Por otro lado, el reparto está muy bien combinado, sin que los grandes nombres del cine desvíen el protagonismo de Eggsy. La propuesta logra un verdadero trabajo en equipo de sus personajes y eso es algo para remarcar.
"Kingsman" es un disparatado film de aventuras y acción que entretiene de principio a fin, que toma lo que conocemos de los films de espionaje y los homenajea con una vibra juvenil y fresca. Recomendable.



16 feb. 2015

Ex Machina: Alguna vez la AI nos verá como fósiles...

* * * * *  EXCELENTE

Una pequeña gran película que lamentablemente no llegó a las salas de cine argentinas. "Ex Machina" es un desgarrador drama con toques de thriller que aborda el avance de la humanidad sobre la inteligencia artificial o, mejor dicho, el avance de la inteligencia artificial sobre la humanidad. "Alguna vez las inteligencias artificiales nos verán como fósiles" dice Nathan, el creador de Ava. Una idea aterradora pero que puede no estar tan lejos.
El director debutante Alex Garland, nos ofrece una hipnótica historia que pone en tela de juicio hasta que punto el objetivo de crear inteligencia artificial que se asemeje lo más posible a un ser humano, es algo sabio. La trama profundiza a lo largo de sus 108 minutos de metraje en los conflictos emocionales e intelectuales que generan la interacción entre una persona y un robot simulando ser una persona. 
"Ex Machina" no es una película de acción, no es ese tipo de film. Es más bien un drama existencial con toques de suspenso para mantener una dinámica atractiva para el espectador.
El trío protagonista está compuesto por Domhnall Gleeson ("Cuestión de tiempo"), Oscar Isaac ("Inside Lewyn Davis") y Alicia Vikander ("El séptimo hijo"), tres jóvenes talentosos que están brillando actualmente en el mundo del cine. Los tres están muy bien en sus roles, destacándose sobretodo Gleeson.
La historia plantea una idea similar a la de "Her", el drama futurista de Wes Anderson, en la que los avances tecnológicos han sido tales que el Hombre está cerca de poder crear inteligencia artificial cuasi humana, con sentimientos, emociones y características de comportamiento propias de la especie humana. Esto por supuesto trae aparejado un conflicto complejo, ¿hasta qué punto el comportamiento aparentemente humano del robot es verdadero y no una forma inteligente que conseguir los objetivos lógicos para los que fue programado? Garland profundiza en esta pregunta y nos regala una joyita que nos hará pensar bastante del tema y hasta nos horrorizará.
Desde los aspectos técnicos, no hay casi nada que reprochar. La fotografía es realmente linda, los efectos están muy bien logrados, sobre todo en Ava (Vikander), y las sensaciones que se pretenden transmitir están bien llevadas a cabo, sobretodo las de encierro e incertidumbre.
"Ex Machina" es un drama reflexivo, con algunos toques de suspenso, acidez y hasta copadez, como por ejemplo la escena del baile entre Kyoko (Sonoya Mizuno) y Nathan (Oscar Isaac). Una propuesta que mantendrá en vilo al espectador durante los 108 minutos de metraje. Muy recomendable.



14 feb. 2015

Cincuenta sombras de Grey: El erotismo pop

* *     REGULAR

Mucho se esperaba esta adaptación de la novela erótica - romántica de E. L. James que causó furor entre las mujeres del mundo. Debo admitir que la historia original en sí ya me parecía bastante machista y básica, por lo que su llegada al cine tampoco me emocionó demasiado.

En primer lugar estamos hablando de una historia erótica, con algunos detalles explícitos en la escritura que no fueron llevados a la gran pantalla. Los estudios que compraron los derechos consideraron que comercialmente era mejor hacer una película apta para personas mayores de 13 años, por lo cual suavizaron y recortaron las escenas de sexo. O sea... tenemos un film por definición erótico con escasas y suaves escenas de sexo... todo mal.
Por otro lado, el enfoque de la historia escrita es al menos discutible y criticable. La protagonista femenina se enamora perdidamente de un misógino incapaz de brindar amor verdadero, cuya libido no funciona si no hay violencia y frialdad en el acto sexual. Mientras más duro e imbécil es el protagonista masculino, más se enamora la protagonista. ¿Les suena? ¿Algún encasillamiento probablemente? ¿Un poco machista quizás? La esencia del relato es apelar a la supuesta necesidad patológica que tienen las mujeres de tratar de cambiar la personalidad de los hombres, de "salvarlos" de su estado primitivo y convertirlos en príncipes azules. A esto le digo... Bull Shit! Esto fortalece la idea de que las mujeres son estúpidas y eso está mal. Recuerdo una foto que anda dando vueltas con 3 chicas del club de fans de "Fifty shades of Grey" de espaldas, cuyas remeras e conjunto forman la palabra "sumisas"... Realmente patético.
Por el lado de las interpretaciones, debo decir que me parecieron correctas, que cumplen con las exigencias del rol. Ni Jamie Dornan (Mr. Grey) ni Dakota Johnson (Anastasia Steele) nos brindaron interpretaciones dignas de Oscar, pero se nota que investigaron y se tomaron sus roles en serio. Dakota destiló inocencia y sexyness como debía y Jamie ofreció un joven, sofisticado y traumado Mr. Grey, aunque podría haber sido un poco más oscuro.
Como conclusión diría que el producto final no es bueno ya que en pos de rédito comercial, se sacrificó el erotismo que la hacía interesante en primer lugar. Por otro lado, la interacción que plantearon entre los dos protagonistas me resultó un tanto infantil, lo que sumado a la falta de sexo hizo que la experiencia sea mediocre.
Ya anunciaron que van a filmar dos secuelas más, que si siguen esta misma línea serán igual de desabridas que la experiencia cinematográfica inicial. 
No recomendable.



12 feb. 2015

Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia): Convertirse en personaje

* * * *  MUY BUENA

"Birdman" es una de esas sorpresas que llegó con poca promoción a las salas de nuestro país. Venía con muy buenos ingredientes y referencias, pero como toda película de corte independiente y de autor, no recibió mucha atención por parte de las grandes distribuidoras y salas de cine.
Desde el inicio se perfiló como film potente para competir por premios cinematográficos, entre ellos el Golden Globe y el Oscar 2015. 
Dirigida por el prestigioso director mexicano Alejandro Gonzalez Iñárritu ("Babel", "Amores Perros") y protagonizada por Michael Keaton ("Batman", "Beetlejuice"), Emma Stone ("Historias Cruzadas"), Edward Norton ("El Ilusionista") y elenco; la historia nos muestra la vida de Riggan, un ex super héroe de acción de la gran pantalla hollywoodense, que luego de dejar su emblemático personaje, lucha por ser tomado en serio en el cruel ambiente artístico, para lo cual monta una importante obra de teatro en Nueva York con la que pretende consagrarse, cosa que no le va a ser para nada fácil.
Puntos fuertes de esta propuesta: En primer lugar quiero resaltar la trama. Tomar una historia simple como el ascenso y el descenso de un artista en Hollywood no parece ser la gran cosa, pero el enfoque que le dieron los guionistas argentinos Armando Bo y Nicolás Giacobone, junto a Alexander Dinelaris y el mismo Gonzalez Iñárritu, es soberbio y logran dotarla de tensión, comedia y dramatismo al mismo tiempo. La historia de Riggan es tragicómica, es dura, genera rechazo y adhesiones, todas cuestiones que el equipo de escritores y el director supieron transmitir muy bien en los momentos importantes del film.
Otro punto fuerte es la cinematografía. Todo sucede en un falso plano secuencia que está muy bien editado, tanto que pareciera que realmente se filmó en una sola toma. La estética está muy bien cuidada, con mucha dirección de arte, algo que encantó a la crítica y los espectadores ligados al mundo del diseño y el arte. Por momentos creo que se exageró un poco con estos factores cinematográficos y artísticos, como si hubieran sido pensados exclusivamente para cosechar premios y engatusar al público más artístico. No está mal, pero por momentos se notan un tanto forzados.
Lo último que quiero resaltar como pilar positivo está ligado a las interpretaciones de los protagonistas. Michael Keaton regresa con fuerza y un despliegue de talento increíble. Firme candidato al Oscar. Me pone contento su vuelta a la cima del cine. Por su lado Edward Norton, Emma Stone, Naomi Watts, Andrea Riseborough y Zach Galifianakis hacen un muy bueno trabajo de acompañamiento, sobre todo Stone que se la puede disfrutar en un rol distinto de lo que nos tiene acostumbrados y Norton que aplica esa excentricidad a lo "Wes Anderson" que tanto le gusta.
Ahora lo no tan bueno: Creo que si bien hay un muy buen manejo de una historia común que fue transformada en un relato para recordar, se nota que el director estaba yendo en busca de premios. Hay algunos elementos que sólo suman excentricidad, que son caprichos snobistas para cierto público y eso creo que le baja un poco la calidad. Se supone que uno como espectador no debería advertir estas cuestiones, pero acá están bastante claras.
En general creo que la película es un muy buen entretenimiento, con mucho talento puesto al servicio de la historia que se quiso contar. Personalmente le habría bajado un poco el tono snob, pero más allá de eso, creo que estamos ante una de las mejores películas que vamos a ver en 2015.



10 feb. 2015

En el bosque: Entretenido y liviano musical

* * *     BUENA

"En el bosque" es la adaptación cinematográfica de la obra musical de Broadway con el mismo nombre, escrita por Stephen Sondheim y James Lapine.
Como sabrán los que siguen mis reseñas, no soy un gran fan de los musicales adaptados al cine. Más allá de esto, trato de apreciar los elementos cinematográficos y el entretenimiento que ofrece para darles una crítica sincera sobre el producto.
Desde el punto de vista técnico la película está muy bien realizada. Si bien no es la panacea de los grandes efectos, hay que reconocerles que los ambientes que crearon transmiten la magia y el misterio que uno podría esperar de un film que incluye cuentos clásicos como el de "Caperucita Roja", "Rapunzel", "La Cenicienta" o "Jack y las Habichuelas Mágicas".
Por otro lado, tenemos la inclusión de una gran cantidad de nombres fuertes en Hollywood que le dan más nivel a la propuesta. Meryl Streep, Anna Kendrick, Emily Blunt, Christine Baranski y Johnny Depp entre otros, son caras ya conocidas en el mundo de las películas musicales y el teatro, y saben llevar bien una producción de este tipo. Personalmente creo que Meryl se destaca demasiado por sobre el resto de cast, y un poco más abajo, pero en una posición también preponderante, podemos remarcar las intervenciones de Emily Blunt, Anna Kendrick y la niña que hace de Caperucita, Lilla Crawford. La aparición de Johnny Depp es prácticamente un cameo, por lo que no esperen mucho de él sus seguidores.
Las letras y la música compuesta es bastante pegadiza y es simpática al oído, aún más que Sweeney Todd, también de Sondheim. Me resultó un poco cansadora la frecuencia con la que se cantaba en el film, pero bueno, es un musical justamente.
Entre lo negativo que puedo resaltar, en primer lugar voy a mencionar la narración. En el film suceden muchas cosas al mismo tiempo y todas pasan demasiado rápido, sin profundizar en algunas cuestiones que al espectador le gustaría ver en una película. Por más de que los cuentos tomados para la historia son ampliamente conocidos, para que la narración sea un poco más amigable (sobretodo si es un musical que de por sí es exigente) se debería ahondar un poco más en la historia de sus protagonistas, que acá son vomitados a la pantalla sin ninguna preparación. A su vez, teatralmente hay cuestiones que se pueden dar de manera más natural que en el cine, como por ejemplo las interpretaciones un tanto más remarcadas o exageradas. En "Into the Woods" constantemente hay exceso de teatralidad y esto se vuelve un poco pesado. Por último, diré que la trama en general me pareció superficial, más centrada en el acting de interpretación musical que en la historia de fondo que presenta la película y esto produce menos empatía con los protagonistas, que cantan y cantan sin parar.
Un musical bien adaptado en líneas generales, que presenta una lluvia de estrellas hollywoodenses demostrando sus dotes musicales, que en su trama resulta bastante liviana y funcional al acto de filmar escenas musicales coreografiadas. Muy dirigida a los amantes de los musicales.



8 feb. 2015

La teoría del todo: La lucha personal de Stephen Hawking

* * *     BUENA

"La teoría del todo" es una de esas películas dramáticas que gran parte del público amará por lo emocional y superador de la historia, mientras que otra parte del público (menor) la rechazará por percibirla cursi y manipuladora. Personalmente creo que posee algunos elementos buenos y otros más viciados. 
Para comenzar por lo negativo voy a coincidir con las personas que percibieron un gran esfuerzo, demasiado subrayado por momentos, en pos de conseguir el llanto y bajarle la guardia al espectador. No se si les pasó lo mismo a muchos de ustedes, pero yo fui al cine buscando conocer más sobre la genialidad de la obra de Stephen Hawking y/o su historia de amor con Jane Wilde, quien escribió la novela sobre la cual se basó el film, pero en vez de esto me encontré con que la obra científica del físico se toca muy por arriba, la historia de amor con Jane es la que se lleva la mayor atención pero termina mal, y que en realidad la trama se enfoca demasiado en el deterioro físico y la enfermedad del protagonista. Con estas cuestiones para mi restó puntos porque cae en el cliché y se ubica en ese subgénero del minusválido famoso cuya historia de vida resulta interesante por la lucha que libró con su discapacidad y no por los logros que lo llevaron a ser reconocido.
La otra cuestión negativa se relaciona bastante con lo que acabo de señalar. Nos venden este biopic como LA historia de amor eterno entre Stephen y Jane, y en mi caso que no había leído la novela ni sabía mucho de la vida personal del científico me encuentro con que la gran historia de amor en realidad termina con los dos tomando caminos separados por el desgaste al que se vieron sometidos por la enfermedad de Hawking. Como lo apunté en mi crítica a la película "Amour" de Michael Haneke, no creo, o al menos es muy discutible, que la definición por excelencia del amor conyugal sea vivirlo mientras todo esté diez puntos pero cuando la cosa se comienza a complicar en serio, la relación se torna en un calvario hasta que una de las partes no soporta más y da fin a la relación. En "La teoría del todo" Jane es la mujer 10, la esposa ejemplar y valiente que hace frente a la enfermedad del marido en pos del amor, al menos hasta que pasan unos 20 años, se cansa y se enamora de otro tipo, con el cual se sugiere en la historia tuvo un amorío mientras seguía casada con Hawking. Lo mismo hace Stephen, que termina enganchándose con su terapista de lenguaje. El gran amor de la pareja... un tanto endeble.
Pasando ya a lo positivo, remarco las buenas actuaciones de Eddie Redmayne ("Les Miserables") y Felicity Jones ("La mujer invisible"). Su química en pantalla resultó creíble y fresca. Por otro lado, me gustó la premisa de mostrar el lado más humano de Stephen Hawking, de poner en pantalla a una persona que se conecte con el público y nos muestre su historia de amor (o desamor en este caso).  El enfoque del guión me parecía acertado y fresco para un biopic, salvo que finalmente la gran historia de amor no terminó como uno imaginaba.
La fotografía también es buena y nos traslada por un rato a la Inglaterra de los 60s.
El balance general es el de un buen entretenimiento, que mueve al espectador y lo conecta con los protagonistas, aunque algunos de los recursos utilizados caigan en el cliché y el golpe bajo. No es una de las mejores películas del año y probablemente no debería haber sido nominada como Mejor Película en los Oscar, pero es el tipo de film del que disfruta gran parte del público al que no le importa pensar en los artilugios usados por el director, sino que le interesa sentirse motivado, emocionado y entretenido.



7 feb. 2015

El destino de Júpiter: Mundo Wachowski

* * *     BUENA

Los Wachowskis vuelven al ruedo con una super producción que lamentablemente no tuvo el resultado que esperaban. ¿Es un moco? No. ¿Es un peliculón que la gente no supo apreciar? Tampoco. En realidad es un buen film de aventuras y ciencia ficción, que si bien logra entretener no llega a maravillar y se torna un producto de corto o, a lo sumo, mediano plazo. Hoy en día con la cantidad de bombardeos del cine no alcanza con ser un producto aceptable, menos si el presupuesto dedicado a la producción sobrepasa los 170 millones de dólares.
Lana y Larry insisten en la creación de mundos intergalácticos complejos en los que insertan una historia que más o menos funciona. El problema es que se concentran demasiado en la elaboración del contexto de la historia y no en la historia misma.
En esta ocasión nos presentan a Júpiter Jones, interpretada por Mila Kunis, una joven de ascendencia rusa que limpia casas para ganarse la vida. El tema es que Júpiter no sabe que en realidad es parte de una poderosísima familia que controla parte de la galaxia, los Abrasax. Cuando los intereses económicos y políticos de sus familiares se ven amenazados por su existencia, mandan a distintos grupos de cazadores a eliminarla. Entre estos mercenarios, se encuentra Caine Wise, Channing Tatum, un híbrido mezcla de lobo y humano que se arrepentirá de su misión y la ayudará a mantenerse a salvo de las garras de sus familiares galácticos. La ayudará mucho, ya que durante todo el metraje Júpiter la juega de damisela en peligro, un tanto inútil.
Y... primero que todo, tiene varios clichés. El mercenario que se enamora de la protagonista es algo ya un tanto gastado. Que Júpiter sea una débil mujer que debe ser protegida y salvada por el machote, también es antiguo. Y así hay algunos clichés más. 
Por otro lado, presenta un nuevo mundo de ciencia ficción que si bien tiene referencias a varios exponentes del género que ya hemos visto, resulta atractivo a los sentidos y una bocanada de aire con respecto a la creciente cantidad de remakes y secuelas. Acá no queda otra que aplaudir a los hermanos Wachowski, que más allá de que no vienen teniendo mucho éxito, nunca bajan los brazos y siempre nos quieren ofrecer algo distinto, nuevo, que no hayamos visto aún. Estos mundos mágicos de ficción pueden gustar más o menos, pero es innegable que los tipos le ponen mucha garra y talento para crearlos. 
El problema de estos directores y escritores es que elaboran ideas grandilocuentes que luego no son bien moldeadas en el guión. Se limitan para poder llevar adelante la historia de manera fluida y original, y terminan cayendo en varios lugares comunes del género de la ciencia ficción y la acción. Suman por el lado de la innovación en el planteamiento de la trama y en los aspectos técnicos, pero restan a la hora de llevar adelante la idea y hacer un cierre digno de un film de estas dimensiones.
Es entretenida, colorida, con buenos efectos visuales y una premisa no tan común, pero también es un poco estruendosa de más, contiene varios clichés y abarca más de lo que puede apretar. Sólo para fanáticos de la ciencia ficción.



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