12/7/2014

Bañeros 4, los rompeolas: La decadencia de la tv en el cine

*         MALA

Lo único que pude sentir cuando miraba esta bazofia era vergüenza ajena y un poco de tristeza. ¿Dónde quedó la gracia del groso de Emilio Disi? ¿En qué lugar se olvidaron la picardía del buen humor argentino? En esta nueva entrega de los bañeros, Disi parece estar drogado durante todo el film y realmente hace el ridículo, pero no de una buena manera. Ni hablar de las ausencias fuertes como Guillermo Francella, Berugo Carámbula y Gino Renni que fueron sustituidos por ese grupo de comediantes, salidos del universo Tinelli, que no pudo llevar adelante el film de manera digna y salvarlo del ridículo total.
Por otro lado, si bien no soy para nada fan del humor que hacen Pachu, Pablo, Fredy y Iúdica (?), en los programas de TV en los que participan, resultan mucho más divertidos y naturales que en esta película, con menos estructuras infantiles a la hora de hacer reír. Acá están totalmente duros, sin nada de gracia y con chistes tan pero tan estúpidos que dan vergüenza ajena, como si al guión lo hubiera escrito un viejo nerd en completo estado de ebriedad. He visto varios programas con gags de Pachu y Pablo, y acá se puede divisar claramente que hubo personas que los limitaron y los pusieron a hacer un humor que les queda muy mal. Lo de Nazareno Móttola ("Peligro: Sin Codificar") fue realmente ridículo también, con muchas limitaciones a la hora de hacer reír. Completan el reparto principal Fátima Flores, haciendo lo mismo que suele hacer en TV, imitar gente famosa, y Karina Olga Jelinek haciendo lo que mejor le sale, hacerse la tonta. Además hay algunas breves intervenciones de Belén Francese, Paolo "el rockero" y Daniel Aráoz en un rol para el olvido.
Desde lo visual, imagínense algo verdaderamente choto y sin una pizca de calidad... a eso multiplíquenlo por dos y van a tener como resultado "Bañeros 4: Los Rompeolas". Es realmente un trabajo que atenta contra el avance que viene experimentando el cine argentino, sobre todo en el rubro comedia, que no es uno de los más simples justamente.
En conclusión, es ridícula, infantil y para nada divertida. No pude encontrar casi algún chiste gracioso y sentí mucha vergüenza ajena. Por favor, no sigan arruinando una saga que más allá de no haber sido de lo mejor o más inteligente del cine argentino, había logrado un lugar como clásico del género y supo ganarse al espectador. Seguir haciendo films de este tipo no hacen más que arruinar la reputación de la comedia argentina. Lo peor en lo que va del año.



10/7/2014

Transformers 4, la era de la extinción: Cuando un pensaba que no podía ser peor...

*         MALA

Era prácticamente una fija, si "Transformers" me había parecido bastante floja, "Transformers: Revenge of the fallen" mala y "Transformers: The dark side of the moon" pésima, la secuencia lógica me dirigía hacia lo peor de toda la saga y así fue... lamentablemente.
"Transformers: Age of Extinction" es un producto de pornografía visual hardcore que sólo los habituados a este tipo de cine ruidoso pueden llegar a disfrutar. Quizás podríamos sumar a los incondicionales de los dibujos animados y los juguetes que por más de que el resultado de todas las películas haya sido malo, las siguen bancando por el solo hecho de poder ver a sus héroes en el cine. Muy adentro de mi ser, todavía sigo esperando alguna entrega que pueda disfrutar al menos un poco, y eso es mucho pedir para un destruye ídolos como Miguel Bahía...
Muchos se dejaron engañar. La producción cambió los protagonistas, incluyeron a los dinobots y nos hicieron creer que se venía algo más adulto e inteligente, pero la verdad es que resultó una CAGADA, como todas las demás, incluso más ridícula y descerebrada que "the dark side...". Los diálogos empeoraron, con chistes en momentos muy poco oportunos, con villanos ridículos como el que interpreta Titus Welliver y nuevos protagonistas que resultan tan o más tontos que Shia LaBeouf en las entregas anteriores. Lo de Jack Reynor por ejemplo, es lamentable.
En un momento de batalla fuerte, pasadas las 2 horas de metraje, había gente en la sala que buscaba encontrar la mirada con los de al lado sólo para asegurarse de no ser el único que la estaba pasando tan mal. A mi mismo me paso algunas veces, que miraba al grupo de amigos con el que había ido al cine y tenía 2 durmiendo, dos que me miraban, se reían y se sacaban los lentes del 3D para decirme que era inaguantable la situación y uno que por alguna razón extraña la estaba pasando relativamente bien. Debo admitir que también cabeceé algunas veces como me sucedió con "the dark side...". La pornografía de efectos audiovisuales resultaba tan exagerada que no podía ni siquiera apreciar el logrado proceso de transformación de los robots en autos y viceversa. Sólo podía pensar en lo aturdido que estaba hasta que esa sensación mutó a algo anesteciante y dejé de prestar atención a la "trama".
¿Hasta cuándo van a seguir llenándole los bolsillos de dinero a un tipo que industrializa el cine y lo despoja de todo atisbo de alma?
Para ir concluyendo y no aburrir con mi despotrico, les voy a decir que cada vez que puedan, prendan velitas a todos los santos para que a Bay no le sigan entregando sagas juveniles e iconos de la infancia porque los va a destruir a todos, de eso estoy muy seguro. Falta que le den los Thundercats y ahí sí que se pudre todo. Cuando vean que en algún lado de la película dice "Michael Bay", corran, corran lo más rápido que puedan.




3/7/2014

La Mejor Oferta: Una fuerte apuesta al arte y al amor

* * * *   MUY BUENA

Giuseppe Tornatore ha vuelto. El gran director italiano, que allá por 1988 nos conmovió hasta el alma con su obra maestra “Cinema Paradiso”, nos trae una producción italiana de alta calidad y protagonizada por actores ingleses. Comparándola con la cinta que lo hizo acreedor del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa, “La Migliore Offerta” no es una oda a la infancia y a los tiempos añorados. Aquí vamos a encontrar un poco más de oscuridad que de luz. Una veta distinta, presentada de manera incisiva, con mucho sentido artístico, desbordante por momentos y atrapante.
Tornatore nos presenta un impecable diseño de producción, mostrando de manera excéntrica el ambiente de la compraventa de obras de arte de alto valor económico. Es en ese ámbito donde Virgil Oldman (Geoffrey Rush), un exitoso experto en arte y agente de subastas se mueve con solvencia. Frío, egoísta y manipulador, convive con la soledad para disfrutar con ella de su fastuosa colección de retratos femeninos del siglo XVII y XVIII. Hasta que la llamada de una extraña joven acapara toda su atención. Dueña de una villa nutrida de valiosas antigüedades, la misteriosa mujer (Sylvia Hoeks) le encarga la tasación y la venta de sus pertenencias. Confinada detrás de las paredes de su casa, Claire sufre una extraña enfermedad psicológica que la mantiene aislada del mundo. El deseo de ayudar a transformar la vida de la mujer que es lo que motivará a que Virgil atraviese las barreras de sus propios impedimentos.
Si algo hay que destacar de esta cinta es que cada escenario es recreado de manera detallada para retratarnos casi esa misma sociedad eurocéntrica extravagante que Paolo Sorrentino puso en jaque con “La Grande Bellezza” (2013). Si la vieron, podrán hallar elementos comunes entre ambas cintas, los que no se reducen solamente a los artísticos. No sé si es una moda o una necesidad la de desnudar la decadencia social europea que divaga entre el arte renacentista y los excesos modernos, pero parece que su director apela a ello, aunque con un efecto no tan directo como el de Sorrentino.
Otra leyenda del cine italiano, el compositor Ennio Morricone, vuelve a colaborar con Tornatore realizando una clásica banda sonora que se encarga de subrayar los momentos de tensión, suspenso y amor que presenta la historia. En este sentido, Morricone aborda con talento sublime la amplia variedad que caracteriza una trama que roza el drama, el suspenso, el romance y el thriller.
La historia es una invitación a la reflexión sobre lo verdadero, lo falso, lo real, lo genuino y lo ficticio, presentando conceptos que permiten al espectador realizar un ejercicio mental no obligatorio acerca del modo de construir nuestras realidades. “Todo puede falsificarse. La alegría, el dolor, el odio, la enfermedad, la recuperación... hasta el amor”. Que una cinta permita activar el pensamiento es algo que se agradece y te coloca en el compromiso de asumir esa invitación.
Quizás esa riqueza de contenido es puesta de manifiesto, entre otras cosas, por la excelente labor interpretativa de Geoffrey Rush, un actor que con todo su esplendor toma el peso de la historia en sus hombros. Donald Sutherland y Jim Sturgess hacen lo suyo, cerrando el elenco de figuras.
Sin nada para cuestionar, esta última película de Giuseppe te mantendrá atento y maravillado. Es que todo está finamente engarzado, del mismo modo en que lo están los engranajes del autómata que introduce la trama para explicitar las consecuencias de la apuesta de Virgil y recordarle que “siempre hay algo auténtico oculto en toda falsificación”. Y vaya que lo hay.

Crítica realizada por Leonardo Arce.



30/6/2014

Jersey Boys, persiguiendo la música: El musical de Clint

* * * *   MUY BUENA

Si hay algo que me llama poderosamente la atención es el género del musical. Y que, justamente, sea el versátil y aclamado Clint Eastwood el que proponga una película de ese género, es algo que genera expectativas. Hay que reconocer que el veterano director/productor/actor, aún a su edad, ha asumido un desafío cinematográficos mas grande del que uno cree con esta cinta. Me vinieron a la mente obras como “Los Imperdonables” (1992), “Río Místico” (2003) y “Million Dollar Baby” (2004)” y pensaba sobre el resultado final de “Jersey Boys”, una propuesta diferente en relación a su filmografía. Es que el musical es un género que puede tornarse en un arma de doble filo para un director: un éxito o no tanto. Y muestra de ello es el caso de Tom Hooper con “Les Misérables” (2012). A pesar de ese ejemplo, creo que Clint sale airoso ofreciendo un trabajo que, sin renunciar a su particular estilo, resulta atrapante.
Eastwood no aborda su cinta al estilo de los clásicos musicales de mediados del siglo XX ni de películas de nuestro siglo como “Moulin Rouge” (2001), “Chicago” (2002) o “Soñadoras” (2006). Mas bien, se acerca al biopic con tintes musicales como “Ray” (2004) o ”Jhonny & June, pasión y locura” (2005). Es en esa decisión artística donde todo su talento y pericia van por un camino seguro en el que recrea para la gran pantalla el exitoso musical homónimo de Broadway, ganador de un premio Tony.
La historia cuenta la vida de cuatro jóvenes de Nueva Jersey, desde sus inicios en la delincuencia juvenil hasta la formación de una de las bandas de rock más influyentes de la década de 1960: “The Four Seasons”. Un paseo por sus primeras aventuras, el génesis de la banda, sus grandes éxitos musicales, la fama adquirida, sus vidas familiares, sus problemas de convivencia y la separación definitiva. Un trayecto que atraviesa más de tres décadas.
Debo reconocer que la trama parecía achatarse durante los primeros minutos, pero a lo largo de su desarrollo mostró todo su potencial. Un ascenso que se disfruta. Cada uno de los cuatro protagonistas tiene momentos en que cuentan sus experiencias directamente a la cámara, en primera persona, y eso lo hace interesante. Pero donde más brilla el guión es en la tensión entre los personajes, en las peleas; es decir, en los momentos de drama intenso donde se desnudan las miserias, las envidias, los roces y los cuestionamientos. Hay una riqueza indiscutible en esa faceta del libreto, la que es posible gracias a las formidables actuaciones del elenco, encabezado por John Lloyd Young, Erich Bergen, Michael Lomenda, Vincent Piazza y Christopher Walken. Tanto el primero como el último brillan: John interpretando fielmente al vocalista de la banda, Frankie Valli; y Christopher al mentor de éste (un “Padrino” particular).
En ningún momento vemos una proyección de una obra teatral al cine como suele suceder a menudo con los musicales. Es, sencillamente, una película de principio a fin. Quizás, a modo de homenaje, Clint monta un número musical antes de los créditos finales, en donde todo el elenco baila al son de una de las aclamadas canciones de la banda. Y es un montaje impecable y disfrutable a más no poder. Un cierre casi mágico.
Con sus largos ochenta años, Clint Eastwood sigue demostrando que ningún genero le queda pequeño (o muy grande) y que es uno de los grandes directores que se reinventa y se adapta a lo que se le ponga en frente, con seguridad y sin miedo a nada.

Crítica realizada por Leonardo Arce.



27/6/2014

Bajo la misma estrella: El amor en tiempos de cáncer

* * *      BUENA

"The fault in our stars" es una película romántica con toques de adolescencia y modernidad que la hace parecer más copada de lo que realmente es. ¡Ojo! Con esto no estoy diciendo que sea mala, pero tampoco es la gran historia de amor del año. No apela a los golpes bajos como la mayoría de los films en los que uno de los dos protagonistas está muriendo de alguna enfermedad terminal, esto es algo para resaltar, pero más allá de esto y algunos elementos interesantes del guión, no es ni tan profunda ni tan trascendente como he leído por ahí. Por momentos se esfuerza demasiado y queda un tanto forzada.
Para situarse un poco en contexto, la historia trata sobre Hazel Grace (Shailene Woodley) y Gus (Ansel Elgort), dos lindos e inteligentes jóvenes con enfermedades terminales, que por esas casualidades benevolentes de la vida, se conocen y entablan una relación amorosa de esas que todas las chicas envidiarían. Cuando comienza la película nuestra protagonista femenina nos habla con ironía sobre las historias edulcoradas que Hollywood suele presentar como realidades de la relaciones amorosas actuales y nos dice que la suya no será así. Bueno... esto en realidad se da en algunos puntos, pero en otros termina cayendo en el almíbar más potente que se puede encontrar en el género de los dramas/comedias románticas. Un ejemplo de esto es la escena del velorio en vida.
Algunos puntos a resaltar son la buena química y la empatía que generan ambos protagonistas con el público. Son medios freakis, nerds, inteligentes, lindos, cercanos y poco estirados, lo que genera que al espectador le caigan muy bien. Esto es importante, porque si vamos a ver un entretenimiento en el que a la pareja principal le va a pasar muchas cosas, algunas de ellas tristes, es necesario que nos sintamos comprometidos con lo que están viviendo, de otra manera sería un fracaso.
Otro elemento bueno es la forma de abordar la temática de la muerte inminente de un enfermo terminal. El director Josh Boone ("Stuck in love") mantiene los golpes bajos al mínimo y dota de buena comedia a situaciones sobre las que no estamos acostumbrados a reírnos. Esto está muy bien porque desestructura y permite ver algo fuera de los clichés, aunque en algunos momentos cae en algunos de ellos.
Personalmente la disfruté pero no me pareció la gran cosa, ya que por momentos se jacta de ser distinta a las demás historias del tipo pero termina teniendo algunos elementos de ellas, disfrazados, pero ahí están. Los más románticos seguro le perdonarán estas falencias y la disfrutarán mucho más.



25/6/2014

Transcendence, identidad virtual: A la trascendencia se la olvidaron en la casa...

* *       REGULAR

"Transcendence" es de esas decepciones dobles por las altas expectativas que había generado durante su tiempo de promoción. El trailer parecía muy prometedor y el cast reunido era más que atractivo. Johnny Depp junto a Morgan Freeman en un entretenimiento tecnológico con críticas sociales y un gran presupuesto... ¿qué podría salir mal? Al parecer, varias cosas.
En primer lugar y ya lo habrán leído por ahí en Internet, la interpretación de Depp como el Dr. Will Caster fue bastante pobre y chata. Parece que el actor hubiera aceptado el rol a regañadientes para cumplir contrato o totalmente desganado, ya que sus gestos y energía en pantalla fueron tan débiles como un puente de papel. Inexpresivo y plano, esos serían los dos adjetivos que mejor describen la actitud del famoso actor para con este film. Si uno de los protagonistas máximos, en este caso el villano (esto no es spoiler, ya desde el trailer sabemos que así será), no logra conectar con el espectador, ya de base hay un gran problema. Los demás actores hicieron un papel correcto y profesional, pero ninguno logró volar la peluca y dejar al público encantado. Diría que Rebecca Hall y Morgan Freeman fueron de lo mejorcito.
Otro gran problema tuvo que ver con la torpeza con la que se planteó el dilema moral acerca del uso de la tecnología para curar enfermedades y mejorar la genética de los cuerpos humanos. La premisa resultaba interesante, pero en la práctica se perdió el drama moral en pos de hacer un despliegue de efectos visuales y exponer con mucha redundancia la postura de los productores y director (en contra) sobre uso de la tecnología para la genética. Me parece que lo más inteligente es dejar que el espectador juegue con esas ideas acerca de lo ético y moral y saque sus propias conclusiones en lugar de que le estén imponiendo todo el tiempo como debe pensar. 
Se nota que el director debutante, Wally Pfister, tuvo buenas intenciones y lo que quiso exponer con este entretenimiento era ambicioso, pero las circunstancias lo superaron y no supo darle realismo y potencia al guión. Esa ambición con la que encaró el film por momentos se volvió exageración, al peor estilo Hollywood clicheroso y con exceso de uso de CGI.
En general diría que no es una película recomendable, aunque los más fanáticos del sci-fi y los grandes casts puede que le encuentren más elementos interesantes de los que pude encontrarle yo. Mi impresión final es la de un producto que de lejos se ve muy bien, pero cuando uno se acerca un poco más, se da cuenta de todos los defectos que presenta.




20/6/2014

El hombre duplicado: Laberinto de la psiquis

* * *      BUENA

"Enemy" es una película compleja basada en el libro del escritor portugués, José Saramago, "El hombre duplicado". ¿Por qué digo compleja? Porque este nuevo film del director Denis Villeneuve ("Incendies", "La Sospecha") es de esos trabajos que le exigen al espectador no sólo estar muy atento a los acontecimientos por la carga simbólica que tienen, sino que explora cuestiones de la psiquis humana como la depresión y la demencia, elementos que la mayoría no va a buscar a una sala de cine.
Debo decir que el tipo de narración casi no tiene fisuras, es original y sumamente atrapante, aunque por momentos se torna un poco densa de más. Personalmente, se me hizo difícil entender todo y estar bien atento la primera vez que la vi (sí, la vi dos veces), en gran parte porque no sabía bien con qué tipo de película me iba a encontrar y no estaba del todo predispuesto a usar el cerebro en un 100%. Luego, cuando reflexioné por unos días lo que había vivido y volví a verla, me di cuenta de varias cuestiones que había pasado por alto y pude sacar algunas conclusiones importantes para la tranquilidad de mi psiquis.
Vamos por parte. En primer lugar, "Enemy" no es una película convencional, es decir, tiene un ritmo de narración pausado, alienante y que combina elementos surrealistas. La idea es transmitir las sensaciones que vive el personaje principal y la verdad que lo logra. Uno se siente abatido y asfixiado gran parte del metraje. Esto es algo que a muchos espectadores les va a costar. Ni hablar de los que no son muy tolerantes... Les puede llegar a pasar como un amigo que fue a ver "El árbol de la vida" de Malick esperando ver a Brad Pitt hacer la gran "Leyendas de pasión" y se encontró con reflexiones sobre el universo con dinosaurios incluidos... Se quería morir. Acá uno debe saber de antemano a qué se enfrenta. Referencias kafkianas, hitchcockianas y psicología profunda son parte del menú.
El ritmo es lento, lo que hace que el camino sea un poco más gris, pero para suerte de muchos la película sólo dura 90 minutos.
No van a encontrar respuesta expresa a los interrogantes que les va a plantear el film, interrogantes que no van a ser pocos. Acá es donde entran las ganas de cada uno para ponerse a pensar sobre lo que ha visto. Si no hay un análisis posterior, dudo que la experiencia sea placentera en algún nivel y directamente la tildarán de "bodrio". Es tan compleja que requiere en la mayoría de los casos, volver a verla para entenderla mejor. Esto es una contra.
Para que se den una idea, Jake Gyllenhaal interpreta a un profesor de historia llamado Adam que se da cuenta que hay una persona que es idéntica a él, el actor de cine Anthony, también interpretado por Gyllenhaal. Decide, casi por un impulso enfermizo, conocerlo y encontrarse con él para sacarse algunas dudas. El encuentro no sale como esperaban y ambos se ven envueltos en un juego de suspenso y amenazas que los lleva de a poco a la ruina. En el medio de todo esto, se encuentran Mary (Mélanie Laurent) y Helen (Sarah Gadon), respectivas parejas de los protagonistas, la madre de Adam (Isabella Rossellini) y los medios de él mismo materializados en arañas gigantes.
Una experiencia para probarla por sí mismos. A mi me pareció un viaje interesante, pero no lo suficientemente entretenido como para ir más allá de las 3 estrellas. Un thriller/drama que te dejará reflexionando, y eso siempre es bueno.



19/6/2014

Como entrenar a tu dragón 2: Un entretenimiento que se anima a más

* * *      BUENA

La película "Cómo entrenar a tu dragón 2" de DreamWorks sigue las aventuras de Hiccup y Toothless ya un tanto más crecidos y encontrando su lugar el mundo, ese conflicto existencial que fue central en la trama de la primera entrega. 
En esta ocasión se topan con un villano que vuelve a la carga, luego de haber estado formando durante años en secreto un ejército de dragones, para destruir a los vikingos, algo que va en total contramano con la nueva vida que han sabido establecer en Isla de Berk hombres y bestias luego de los hechos derivados de la primera peli.
El director Dean DeBlois, el mismo de "Lilo & Stitch" (notar similitudes en los diseños de los dragones con las bestias de Lilo) y "Cómo entrenar a tu dragón", nos vuelve a ofrecer un mundo mágico de colores y con aún más dragones, en el que los conflictos no tienen miedo de abordar algunos temas "difíciles" para películas dirigidas a niños y adolescentes como pueden ser las discapacidades físicas, la muerte y el entendimiento/aceptación de las fuerzas de la naturaleza. Por la valentía de adentrarse en estas temáticas aplaudo a este producto de DreamWorks y creo que gran parte de su éxito radica en ella. No es simple poner en pantalla un protagonista al que le falta un pie y ciertamente tampoco es fácil transmitir un mensaje sobre la esencia de la naturaleza usando como móvil la muerte. Por otro lado, los conflictos que presenta la trama son interesantes y maduros, algo que también hace la propuesta más atractiva para las audiencias no tan infantiles. Quizás aquí también está lo más flojo del film, no por el guión planteado sino por la forma de manejar la narración del mismo, con algunas introducciones torpes, como fue la aparición de la madre de Hiccup y su retome de relación, y algunas resoluciones demasiado rápidas que quitaron credibilidad a los momentos. Se presentan varias subtramas que por cuestiones de tiempo no se pueden desarrollar en mayor profundidad y esto hace que personajes que podrían haber resultado más interesantes queden a mitad a del camino narrativo, como es el caso de Eret (Kit Harington) o el mismísimo villano, Drago (Djimon Hounsou).
Hay también en el film un mensaje acerca de la paz y la guerra que puede resultar un tanto irritante para algunos espectadores, sobretodo aquellos que relacionan la producción con la cultura y mentalidad del país de donde proviene. Que Estados Unidos envíe un mensaje de paz aludiendo a su poderío bélico, no es de lo más coherente que se puede ver en pantalla. ¿A qué me refiero con esto? A la frase final de la cinta que cierra hablando de que "ellos" podrán tener su acero y armamento, pero "nosotros" tenemos a nuestros dragones... no es el cierre más feliz que podrían haber hecho para un film que supuestamente pregona la paz.
Haciendo a un lado las cuestiones políticas que podría inferir la cinta, es en general un buen producto de entretenimiento que además tiene la virtud de abordar temas maduros y sensibles, algo que no se ve muy seguido en el cine comercial.



18/6/2014

Buenos Vecinos: Riéndose de la adultez

* * * *   MUY BUENA

Nueva comedia zarpada de uno de los directores protegidos de Judd Apatow, Nicholas Stoller ("The Five-Year Engagement"). La verdad que no fui con muchas expectativas al cine, ya que otros productos de la onda me habían decepcionado bastante, como por ejemplo "The Hangover" (2 y 3) o "The change-up", pero terminé pasándola muy bien y riéndome mucho. Es verdad que el film tiene algunos gags un tanto trillados y hasta descerebrados por momentos, pero si nos ponemos a comparar con por ejemplo las películas citadas anteriormente, "Neighbours" es bastante superior, sobretodo por su capacidad de presentar situaciones políticamente incorrectas y hacerlas ver de manera inocente y hasta bien intencionadas.
La pareja conformada por Seth Rogen ("Ligeramente embarazada") y Rose Byrne ("Damas de honor") hace un muy buen trabajo humorístico como padres primerizos que se debaten entre aceptar su condición de adultos o seguir de joda como sus nuevos vecinos, los jóvenes de una fraternidad universitaria que llegaron para llevar a cabo las fiestas más salvajes. A partir de su esfuerzo por tratar de ser vecinos "cool" y a la vez cumplir con sus responsabilidades, se desata una guerra con la fraternidad que incluirá peleas físicas, manipulaciones y traiciones varias manejadas de una manera muy dinámica y divertida. Debo admitir que el niño lindo, Zac Efron ("High School Musical"), hace un buen trabajo también en el plano humorístico, componiendo un personaje que resulta atractivo por su mezcla de estupidez y a la vez inocencia.
Lo mejor de la propuesta se apoya en la satirización de situaciones tan cercanas como el ser padres por primera vez, la cuarentena luego del embarazo para volver tener sexo, la incomodidad de tener vecinos ruidosos y aceptar la adultez entre otras cosas. Es una comedia dirigida claramente a un público más bien adulto, de 25 años a 40 años aproximadamente, que son los que se pueden sentir más identificados. 
El humor físico también toma buen vuelo, sobre todo con secuencias como las que involucran los airbags del auto de Rogen. Son salvajemente entretenidas, es lo único que voy a decir al respecto.
En general no es la comedia más inteligente del año ni la más original, pero es tremendamente efectiva en lo que a diversión se refiere. El juego entre chistes super incorrectos y el mensaje bien intencionado es una fórmula que, bien utilizada como en este caso, logra un combo explosivo de risas que no hace sentir tan incómodo al espectador como puede pasar con un "The Change-Up" por ejemplo. Un verdadero gol de la nueva camada de directores humorísticos.

15/6/2014

Love Punch: Un matrimonio justiciero

* * *      BUENA

En una época donde las comedias son llevadas adelante por las estrellitas hollywoodenses de turno, que una de ellas sea protagonizada por actores veteranos de acreditada experiencia y trayectoria, aporta cierta frescura de esa que se disfruta. Creo que esa es una de las mayores razones por las que “Love Punch” funciona en términos generales. El director y guionista Joel Hopkins pone en la pantalla grande a Emma Thompson y Pierce Brosnan juntos. Ambos constituyen una pareja de cierta química medida que, sin explotarla al máximo, logra el objetivo pretendido: entretener.
La trama justifica la presencia de tales actores porque dan vida a Richard y Kate, un ex matrimonio. Cincuentones, de buen pasar económico, con hijos ya mayores y sumidos vidas amorosas complicadas, la desgracia los volverá a unir. Un empresario francés desmantela la empresa de Richard, peligrando el futuro económico de todos sus empleados, de él mismo y, desafortunadamente, de Kate también. Para defenderse del fraude del que fueron víctimas, viajan a Francia, en donde se verán envueltos en el robo de una valiosísima joya adquirida por aquel empresario.
Se trata de una comedia romántica de enredos típica que no adolece de ninguno de los elementos que la hicieron popular: el romance, las situaciones disparatadas, un viaje, algunas que otras persecuciones, misiones casi detectivescas y, por qué no decirlo, los clichés clásicos. De modo tal que no aporta nada nuevo, algo que vengo anhelando desde hace mucho tiempo. Sí debo recalcar la inestabilidad de la trama, que no logra uniformidad. Se nota que hay ciertos esfuerzos del director puestos en lograr de modo acabado determinadas situaciones en perjuicio de otras. Esos descuidos imperdonables dan como resultado una película con buenos momentos que divierten, con algunos que son incoherentes, con otros que están demasiado forzados y con otros tantos que son completamente innecesarios.
Aún a pesar de ello, reivindico el dúo protagonista, que pone todo su talento para llevar a buen puerto la historia. Y merece una distinguida mención la pareja de reparto, conformada por Timothy Spall y Celia Imrie, quienes llevan adelante varios de los mejores pasajes de la película. Sorpresivamente, ambos presentan una química más lograda que la de Pierce y Emma. Sorpresa, pero de las gratas.
La cinta cumple. No está abordada para romper esquemas ni para proponer novedades. Pero que haya permitido un espacio para la distracción ya es algo que merece ser destacado. Y celebro que las miradas de la comedia se posen en actores “maduros” y talentosos. Falta mucho para reinventar este subgénero, aunque el camino elegido por Hopkins es el correcto. Buen intento!

Crítica realizada por Leonardo Arce.



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