Operación Escape: Buen entretenimiento para los más pequeños

* * *     BUENA

Una nueva propuesta animada la que, a no ser por la época de su estreno, uno podría concluir fácilmente que se trata de una película pensada exclusivamente para las vacaciones de invierno (verano, en el hemisferio norte). La razón: está dirigida a un público determinado; es decir, a los niños de la familia. Se trata de una oportunidad perfecta para que los infantes puedan disfrutar de una linda animación en un domingo por la tarde, bañados de pochoclos,  escondidos detrás de vasos grandes de gaseosa y atrapados en un par de lentes de 3D. Pero esto no constituye ningún punto negativo (lejos está de mi intención). Sólo trato de remarcar el espíritu del guión que esta película plantea.

“Escape from Planet Earth” se sitúa en el planeta Baab. Un famoso astronauta Scorch Supernova (Brendan Fraser) lleva a cabo heroicas hazañas, bajo la supervisión de su hermano Gary (Rob Corddry), jefe de control de misión en la BASA. Lena (Jessica Alba), responsable de esa organización, informa a los hermanos de una misión en un planeta conocido por su peligrosidad; el planeta oscuro: la Tierra. Scorch, audaz como pocos, se lanza a una nueva aventura y, sin escuchar los consejos de un juicioso Gary, cae en las manos de Shanker (William Shatner). Ante esto, Gary tendrá que asumir la responsabilidad, no sólo de rescatar a su hermano sino también a su familia y, por ende, a su planeta.

La trama es sencilla y perfila un mensaje claro, algo así como una especie de moraleja liviana: la idea de que “la mayor aventura de nuestras vidas se puede desarrollar en la familia”. Y ese mensaje se construye a través de una historia genérica y superficial, en donde la aventura, el humor y la acción son las armas más interesantes y efectivas que posee, disparadas mediante una multiplicidad de personajes cómicos y agradables. No consiste en una película apta para toda la familia ni agradable a los ojos de un adulto que disfruta de las buenas historias animadas. Es claro el destinatario de esa historia; es más, lo resalta y, ante eso, nada puede hacerse.

Lejos de codearse con las mejores animaciones de los últimos tiempos que, en opinión de quien suscribe, son proporcionadas en su mayoría por Pixar de Disney (por mencionar algunos ejemplos: "Ratatouille", "Wall-E", "Up" o "Toy Story"), "Operación Escape" cumple; pero nada más. No hay que tener altas las expectativas de estar ante un nuevo clásico animado, pero tampoco estamos frente a un completo desastre. Quizás se encuentra en un punto intermedio oscilante.

Divertida y atractiva, cuenta con las voces de grandes personalidades, entre las que podemos incluir, también, a Sarah Jessica Parker. Algo para destacar (y no puede pasarse por alto) es el interesante guiño que Scorch realiza a uno de los últimos éxitos de la compañía de los hermanos Weinstein: “El Artista” (2011), recreando una de sus escenas más recordadas (el juego de Berenice Bejó pasando su mano por un saco, simulando que alguien la abrazaba), con la genial música de Ludovic Bource de fondo.

Si la intención es llevar a los pequeños a una sala de cine, es más que recomendable. Pero si sos un adulto que ama la animación, deberás esperar que seguramente vendrán otras propuestas que satisfagan mejor tus intereses. 

Crítica realizada por Leonardo Arce

Masacre en Texas 3D: Incoherencia y secuela injusta

* *      REGULAR

Allá por 1974, el director y productor Tobe Hooper proponía una película de terror que se transformaría, a través del tiempo, en una joya clásica de este subgénero. Cuatro secuelas, una remake y una precuela vinieron para sucederla, pero sin resultados prósperos. En este 2013, la cada vez más productiva industria del remake hollywoodense, retoma los conceptos de aquel clásico e intenta presentarnos un proyecto con aspiraciones de secuela. Parece ser que el claro objetivo consistía en revisar la estructura del cine de terror para presentarlos a través de la nueva concepción del cine actual: el 3D. Pero, ¿por qué será que no me suena extraña la idea de que han fracasado una vez más en esa empresa? Será por la sencilla razón de que no le hace justicia a su predecesora.

Esta entrega parte de los hechos sucedidos en el filme de 1974. De una manera original, recoge algunas de sus escenas memorables y formula una presentación de créditos iniciales que atrapa. La historia comienza con la venganza promovida por los habitantes del pueblo de Newt (Texas) bajo el mando Burt Hartman en contra de la familia Sawyer, quien había ocultado los asesinatos perpetrados por Jeb Sawyer, conocido como “Cara de cuero” y famoso por el uso de la motosierra en sus hechos. Cuando todos creyeron que hasta el último miembro de la familia había muerto tras el incendio de la casa, uno de los habitantes del pueblo encuentra al bebé de los Sawyer. Junto a su esposa, la adopta como hija propia y la cría bajo el nombre de Heather. Veinte años después, ella descubre la verdad sobre su adopción, mientras que recibe una carta redactada por el abogado de su abuela biológica, comunicándole que era acreedora de la herencia de la familia: una mansión. Heather y un grupo de amigos emprenden el viaje hacia dicho lugar, en donde comenzarán a desatarse una serie de nuevos terrores cuando descubran que en esa mansión habita una persona de un terrible pasado.

La historia contiene los elementos más significativos que cualquier película de terror requiere: las lindas curvas de una joven promiscua, el chico musculoso, desapariciones misteriosas, mutilaciones por doquier, persecuciones permanentes, cadáveres colgados, etc., pero no realiza ningún aporte original que pretenda plantear el terror desde otra óptica. Si bien esa ausencia de originalidad puede ser dispensada, lo que sí resulta imperdonable es la previsibilidad de sus escenas, algunas por momentos demasiado graciosas, y la falta del ambiente necesario para producir miedo. El espectador queda inmutado como si viera una comedia liviana o un biopic aburrido.

Existen sub-tramas que se van enhebrando en la historia principal pero que son perfectamente prescindibles pues solo ayudan a remarcar la incoherencia que se despliega desde el principio al fin de la película. Un ejemplo es el desfasaje temporal: ¿a alguien se le ocurriría una trama que transcurre veinte años después de 1974; es decir, en 1994, y encontrar a un policía transmitir imágenes en vivo a través de un teléfono celular? La verdad es que no lo entiendo.

Con muchas fisuras, la historia solo transcurre en la pantalla y sólo produce decepción. No soy amante del género, pero solo pretendo que el cine de terror me produzca un leve salto de la butaca. Mis expectativas eran menores que las mínimas. Pero “Masacre en Texas” me dejó con esas ganas.

Crítica realizada por Leonardo Arce

¿Qué pasó ayer? Parte 3: Cierre un tanto amargo

* *      REGULAR

Se ve que el dicho "la tercera es la vencida" se cumplió para la franquicia humorística de Todd Phillips, "The Hangover". Lamentablemente, este 3er trabajo no es ni remotamente tan divertido como lo fue el 1ro, de hecho los viejos chistes ya no causan mucha gracia y los nuevos son poco efectivos y hasta violentos de más. Que Zach Galifianakis se orine en los pantalones por presenciar un asesinato no es divertido... Tampoco lo es que Mr. Chow tire frases trilladas mientras mata mafiosos. La diversión en las entregas anteriores pasaba por otro lado. 
Creo que Phillips quiso explorar nuevos senderos y probar los límites del gusto aceptable en la comedia, algo que personalmente aprecio y valoro, pero debo decir que el resultado al que se llegó finalmente no fue bueno. Si hubiera presentado la misma dinámica de su antecesora, me habría parecido peor y directamente le hubiera quitado una estrella más, pero como se arriesgó le doy un poco de crédito. Lo que verdaderamente divertía del Wolf Pack era esa dualidad entre las personalidades compuestas y hasta aburridas de cada personaje, y la locura que se desataba cuando se tomaban unos copetines de más y se drogaban por accidente. Phillips debería haberle buscado la vuelta para mantener esa esencia y ofrecer algo creativo sin modificarla tanto. En esta entrega la fiesta no existe, sino que se trata de una sucesión de situaciones que toman el género de acción con una clara intención de ridiculizarlo y producir el deseado efecto de "comedia de acción", algo que casi no se logró durante el metraje. Todo el humor se sostiene sobre los hombros de Alan (Galifianakis) y Chow (Ken Jeong), que a duras penas logran uno que otro gag interesante. Sólo puedo nombrar 3 escenas divertidas del film, la 1ra es cuando comienza y Alan circula en auto por la autopista con una jirafa que acaba de comprar, la 2da es cuando conoce a Cassie, interpretada por la grosa de Melissa McCarthy, y la 3ra escena es la que tiene lugar post créditos con la que nos daremos cuenta donde fue que le pifió el director. Los personajes de Bradley Cooper y Ed Helms estuvieron bastante flojos, como desganados, lo que lógicamente atentó contra la performance de la trama y la comedia. La intervención de John Goodman no tuvo mucha relevancia y bien podrían haber puesto a cualquier otro actor y hubiera sido lo mismo, es decir que se desaprovechó el carisma y la profesionalidad de un grande como él.
Qué se yo... me queda un gusto amargo. La 2da entrega ya había sido bastante floja y le había perdonado ciertos pecados por el hecho de que mantenía la fórmula que nos hizo morir de risa en la 1ra, pero este cierre de la trilogía fue el más débil sin dudas. Hay ciertos productos que más allá de sus evidentes fallas, son complacientes con sus seguidores, pero acá eso no se dio. Creo que hasta los más fanáticos de "The Hangover" van a despotricar.

Rápidos y furiosos 6: Pisteando en lo de su Majestad

* * * *   MUY BUENA

Parece mentira, pero ya vamos por la 6ta entrega de los muchachos fierreros y siguen con un éxito increíble, cuestión que es en gran parte mérito de su director, el taiwanés Justin Lin. También parece mentira que la era Lin comenzó con la mediocre "Tokio Drift", pero he aquí el resultado de la perseverancia y la ganas de superarse. Incluso el director se da un gustito al final del metraje con una escena extra post créditos en la que, de cierta manera, toma revancha por como vapulearon su 1er trabajo con los rápidos y furiosos. Está bien, tuvieron algunos productos mediocres en el medio, pero son pocas las franquicias de largo plazo que se pueden jactar de tener una evolución tan auspiciosa tanto en lo técnico como lo económico.
En esta ocasión, se sigue el camino de la 6ta entrega aumentando la apuesta en la acción, la estética y los enredos internacionales. Creo que quizás ya lo hayan leído por ahí, pero la primera secuencia de persecución automovilística por las calles rusas es simplemente excelente, poderosa y atractiva como pocas veces se han visto en un film de acción con persecuciones. Luego, toda la operación se muda a Londres, un lugar que a primera vista parecería raro para estos muchachos, pero que supieron manejar con todo el vértigo que los caracteriza. Por otro lado, el perfil a lo "James Bond" que se le imprimió al equipo villano le subió varios puntos a la propuesta, dándole cierto aire de adultez y una frialdad que recuerda a los malos de aquella otra exitosa saga. Acá resulta necesario resaltar la labor y el carisma de un cada vez más ascendente Luke Evans que logra componer a un villano interesante y sofisticado. Su equipo vendría a ser como el espejo maligno del equipo de Toretto, algo que resultó atrayente y de cierta manera divertido. Se destacaron también con su presencia, Dwayne Johnson (nunca pensé que diría esto), un divertido Tyrese Gibson, la chica mala Michelle Rodriguez y la increíble Gina Carano, esa lindísima luchadora de Muay Thai que tuvo su 1er protagónico en "Haywire" de Steven Soderbergh. El carisma de Carano es hipnótico... como si hubiera nacido para estar en la gran pantalla. Esperemos verla en muchas pelis más. A contramano de estos, los protagonistas Vin Diesel y Paul Walker cumplen bien sus roles, pero no logran la empatía que alcanzaron con sus trabajos pasados.
Al igual que con la entrega anterior, se hace un mix de secuencias de acción infartantes, algunas muy bien planteadas y otras un tanto exageradas, pero sabemos bien donde nos estamos metiendo y qué estamos yendo a consumir. Hay nuevos autos, hay motos, un tanque de guerra, muchas armas y explosiones al por mayor. Hay algunos diálogos bastante básicos y poco naturales, pero en general la propuesta atrapa y complace a todos las fanáticos del género de acción y sobre todo, a los fans de la franquicia. 

El reino secreto: Aventuras de antaño

* * *     BUENA

"Epic" de Blue Sky Studios, es un buen ejemplo de entretenimiento clásico, con claras referencias al cine de aventuras de antes y con marcadas influencias de "FernGully", "Querida encogí a los niños" o la mismísima "Willow" de Ron Howard (esa capu-capa de murciélago que usa el villano es inconfundible). 
El director neoyorquino, Chris Wedge ("La era de hielo", "Robots"), nos ofrece la adaptación de una obra ecologista del escritor de historias para niños, William Joyce. La película, más allá de su buen mensaje acerca del cuidado del ecosistema, goza de una calidad técnica y narrativa de gran profesionalidad, que entretiene tanto a chicos como grandes. Quizás lo que la tira un poco abajo, es la falta de originalidad en la trama y el involucramiento que se logra entre protagonistas animados y espectadores. Por alguna razón, las figuras principales no resultan tan atractivas individualmente como sí lo hacen como equipo; no producen ese carisma que hace que el público se cope con los personajes más importantes de la historia. Por ahí creo que faltó trabajar más los aspectos de personalidad de M.K. (Amanda Seyfried), Ronin (Colin Farrell) y Nod (Josh Hutcherson), el trío principal de la cinta que por momentos se pierde entre las batallas épicas y la cantidad de personajes involucrados. Con respecto a la trama, creo que fue evidente la falta de algún factor particular que la diferencie de otras propuestas animadas que hemos visto en la gran pantalla. La lógica que se utilizó fue bastante convencional con la excepción de la carga dramática que se le imprimió a algunas escenas, en las que por ejemplo, mueren personajes y el film se torna un poco más oscuro.
"El reino secreto" en su conjunto general se sale con la suya y logra el objetivo de hacer pasar un buen rato cinematográfico al público inculcando valores de cuidado para con la naturaleza, cuestión en la que Joyce había hecho hincapié en su obra literaria. No es una animación super memorable, pero sí entretenida y con algunos momentos tan épicos como indica su nombre original.

El gran Gatsby: Fitzgerald by Luhrmann

* * *     BUENA

Si hay algo que el director australiano Baz Luhrmann maneja muy bien, es la adaptación de grandes historias de amor y agregarle toda su excentricidad visual para crear un producto inconfundiblemente de su autoría. Es un artista que se expresa a través de la trama y la dirección, pero con un foco bastante importante en los aspectos artísticos de la puesta. "The Great Gatsby" no es la excepción y se adapta la famosa historia de desencuentros amorosos de F. Scott Fitzgerald en una Nueva York de los años '20, con todo el glamour y la explosión de colores que se puede esperar de un tipo como Luhrmann.
La historia de Fitzgerald de por sí tiene su atractivo, presentando una crítica a la sociedad del momento, que cegada por la propiedad material, los vicios y la posición social, podía condicionar y quebrantar hasta el amor más puro. Luhrmann toma la esencia del libro, pero termina entregando una crónica más liviana y hollywoodense, con menos matices dramáticos que le den profundidad. No es mala la propuesta, en absoluto, pero me hubiera gustado ver que la película evolucionara con más fuerza con el pasar del metraje, cosa que de cierta manera sucede, pero no con la locura y sensaciones que uno esperaría de un trabajo de Luhrmann. Por momentos se nota demasiado el enfoque en los aspectos técnicos que terminan siendo de mayor calidad que los narrativos.
En el plano de las interpretaciones, creo que todos estuvieron muy bien, sobre todo su protagonista, Leonardo DiCaprio, que como siempre brinda una actuación creíble y profesional. El Gatsby de DiCaprio presentó algunas influencias de su rol como Howard Hughes en "El Aviador" de Martin Scorsese, con menos locura, pero sí con algunos gestos que ponían de manifiesto la personalidad obsesiva del personaje.
Un buen entretenimiento que seguramente disfrutarán más los seguidores de Luhrmann que los lectores de la novela de Fitzgerald, pero que no deja de ser atractivo e interesante de ver.

Spring Breakers, viviendo al límite: Not another teen movie

* * *     BUENA

¡Qué sorpresa este film! Polémico, polémico, polémico. El director Harmony Korine divide las aguas cinéfilas con este nuevo trabajo, que muy lejos está de la comedia teen que muchos se deben estar imaginando que es. No es una comedia light sobre ex adolescentes Disney divirtiéndose en la playa, va mucho más allá de eso y es una fuerte crítica a la superficialidad del sueño americano. Korine utiliza una narración bizarra pero atractiva, que queda resonando en la mente y asquea al hacernos reflexionar sobre lo idiota que podemos ser en pos de la vida fácil y lo material. Frases que se repiten en off durante escenas que alternan entre la violencia de las pandillas y las fiestas descontroladas del spring break norteamericano, mucha piel, referencias a la cultura pop, crítica social y religiosa, tiroteos y más en este trabajo que te puede llegar a gustar o no, pero no te mantiene indiferente. En mi caso debo decir que me gustó, pero no llegó a encantarme. La temática del "american dream" es algo que me referencia mucho al "white trash" infumable, esa gente que piensa que la vida consiste en nadar en dólares y chuparle la sangre al planeta y las personas. Ver estas personalidades en la gran pantalla me divierte por un corto plazo, un ratito, y después ya sólo me producen indiferencia y fiaca. Entiendo que Korine hace justamente una referencia crítica a este espécimen de humano, un crítica que por momentos resulta interesante y dura de ver, pero como se trata de ese tipo de "personas", empiezo a perder interés. Es como ver un reproche sociológico a los idiotas de "Jersey Shore" o "Gran Hermano"... por un rato puede resultar interesante y hasta divertido, pero aceptémoslo, hacer un análisis sobre la vida superficial de un grupo de adolescentes descerebrados tiene un ciclo de vida bastante corto y podemos pecar nosotros mismos de caer en las redes de la estupidez y estar filosofando sobre cuestiones totalmente intrascendentes.
Para resaltar, el manejo estético que se le imprimió a la propuesta, logrando claramente en el espectador la sensación de aturdimiento entre tantos cuerpos semi desnudos emborrachándose, drogándose y succionándole la vida al mundo. La creatividad es también un punto fuerte, animándose a las escenas más bizarras y divertidas que se pueden ver en lo que va del año. El trabajo interpretativo del cast, bastante profesional, pero nada de otro mundo.
Una propuesta interesante, que la mayoría amará u odiará, que tiene muchos momentos de humor retorcido e irónico que debe ser entendido para entrar en el juego que se propone. Vale la pena verla para sacar conclusiones propias y rescatarse un poco ;).

Ataque a la Casa Blanca: ¿White House Down?

* *      REGULAR

"Ataque a la Casa Blanca" es un film de acción del realizador Antoine Fuqua, que en esta ocasión parece haber sido poseído por el Roland Emmerich de los '90 y nos brinda una historia un tanto chata pero con mucha pirotecnia y adrenalina fílmica. El Fuqua de "Día de entrenamiento" le cede bastante lugar al Fuqua de "Tirador" y las cosas se ponen violentas, bastante violentas. Se agradece la crudeza de ciertas secuencias y la acción que se imprime al film durante todo el metraje, pero con el tema de la trama se quedó un poco corto, hay que decirlo. El problema con este tipo de producciones es que ya podrían formar parte de un subgénero de acción de existencia tácita llamado "acción patriota", un subgénero que nos ha cansado bastante. A Hollywood le encanta poner en peligro a su presidente y demostrar, a través de una figura simbólica encarnada en héroe de acción, el poderío bélico de USA y el amor a su país, cosa que no estaría mal, pero el problema es que ya nos cansamos un poco... La historia del policía retirado, que vuelve para redimirse y salvar a su país de la amenaza extranjera es una figurita repetida, que se ha editado con ex agentes de la CIA, del FBI y hasta con guarda espaldas, como es el caso de este trabajo. Ya cansó muchachos... Encima todavía falta la versión de Emmerich donde también atacan la Casa Blanca y al presidente, posta, no estoy jodiendo. Se estrena en breve. Espero que haya un poco de karma y el Fuqua de "Día de entrenamiento" lo posea a Emmerich y se cierre este círculo cinematográfico.
La peli empieza bastante bien, dinámica, con bastante acción, pero a medida que va pasando el tiempo cada vez se va poniendo un poco más inverosímil. Que el guardaespaldas retirado le indique qué hacer al equipo de seguridad nacional de una país como Estados Unidos es un tanto ridículo, al igual que la forma en que plantean la toma del "Olimpo". Es verdad que también a medida que avanza el metraje crecen los momentos de tiros, trompadas y quebraduras de huesos, que no nos engañemos, ocupa una porción bastante importante dentro de las razones por las que iríamos a ver un producto como este al cine. Estoy seguro que si se hubieran un sentado un rato más a pensar alguna vuelta de tuerca más inteligente, habrían conseguido mucho más éxito que el que cosecharon.
En el cast con el que contaron, se destacan nombres como Morgan Freeman, Melissa Leo, Aaron Eckhart y el mismísimo Gerard Butler, pero da la sensación de que se los desperdició un poco.
Una de acción con fórmulas repetidas que cubrirá las expectativas del espectador que la da mucha prioridad a los disparos, los golpes y las explosiones, pero que no se destaca entre toda la fauna del género de acción.

El último exorcismo, parte 2: La tortura del nunca acabar

*         MALA

Bueno... Si la 1ra no era ninguna joyita del género de Terror, esta 2da entrega es la confirmación de que nos están tomando por giles con las películas de exorcismos. Está gastado, gastadísimo, sin ideas nuevas, repetitivo, haciéndole daño al género. Es el tipo de ejemplo concreto donde se puede ver la ambición por exprimir algo hasta el punto de secarlo y matarlo completamente. Esta tendencia en el cine se está volviendo peligrosa y puede causar efectos dañinos que tarden décadas en recuperarse o directamente no recuperarse nunca más. Algo parecido está sucediendo con las parodias en el género de la Comedia. Entiendo que la fórmula todavía de dividendos, sobretodo si los presupuestos que se utilizan son mínimos y aprovechan el viento de cola que dejaron títulos pasados de mayor calidad, pero los productores en Hollywood deberían entender que este tipo de explotación, sin ningún tipo de precaución, puede terminar en el hundimiento definitivo de subgéneros que en alguna época fueron atractivos. Dejenló descansar, que vuelva renovado más adelante cuando alguien se ponga a escribir un guión creativo y no alguna estupidez para meter dos mangos más en el bolsillo.
Para esta vuelta, los escritores se sitúan un par de meses después del fallido exorcismo de Nell (Ashley Bell). Todo parece mejorar de a poco hasta que la protagonista se enamora de un chico del pueblo en donde está viviendo, cuestión que pone ¿celosa? a la entidad maligna que la acecha y todo el proceso demoniaco vuelve a comenzar... Es decir, lo del "último exorcismo" era un mote meramente comercial. 
Acá se mezcla la cuestión de la posesión con el enamoramiento en una combinación bastante berreta, que no aporta nada nuevo y que por momentos resulta infantil. Hay momentos que claramente hacen referencia a "Carrie" de Stephen King, cuestión que no estaría mal, salvo por el hecho de que esas referencias resultan muy "teenagers" y toman lo peor de aquella historia, como el culebrón que tiene lugar entre los adolescentes.
¿Qué más decir? Otra producción que utiliza un subgénero que está en agonía total y que debería ser puesto a descansar por lo menos 10 años. No recomendable.

En Trance: El laberinto Boyle

* * *     BUENA

"Trance" del director Danny Boyle ha sido un trabajo bastante criticado, que ha despertado simpatías y odios por igual. Me tiro hacia el lado de la simpatía y digo que esta última película de Boyle es bastante disfrutable, con vueltas de tuerca fieles a su estilo y con un cuidado técnico más que profesional. Recordemos que el director británico ha sido responsable de cintas famosas como "Trainspotting", "Slumdog Millionaire" y "127 horas", todos trabajos en los que está impreso su sello adrenalínico característico. "Trance" no es la excepción y de hecho demuestra que Danny ha ido afilando su ojo técnico. 
Es verdad que la historia comienza con un tipo de dinámica y que ésta, a medida que va avanzando el metraje, se vuelve cada vez más volátil e impredecible, presentando algunas situaciones que podrían tildarse de inverosímiles. Más allá de la chiflera creativa del escritor (John Hodge) y el director que por momentos se sale de los límites realistas, la trama de traiciones y el estilo que le imprimen, hacen que ciertos pecados como estos sean perdonados. La esencia del engaño, dentro de la trama y al espectador mismo, hace que el espectáculo valga la verborragia artística a la que nos vemos sometidos. La narración y la filmación frenética se hacen presentes durante todo el film, funcionando en el 70% del metraje y pasándose de vuelta en el 30% restante, lo que produce que por momentos nos perdamos entre tanto zigzagueo.
James McAvoy demuestra una vez más que puede protagonizar cualquier blockbuster y hacerlo con gracia y carisma. Completan el reparto una Rosario Dawson y un Vincent Cassel que cumplen muy bien sus roles respectivos, aportando maldad y sexiness a esta propuesta.
Creo que los espectadores que disfrutaron de las producciones anteriores de Boyle, no serán defraudados con esta producción y podrán sumar un título más que los confirme como fans de su estilo de filmación. No es de sus películas más memorables, pero eso no quita que sea un entretenimiento digno de ver y recomendar, sobretodo para discutir luego con amigos sobre como interpretaron el laberinto fílmico al que estuvimos sometidos.

  

Ginger & Rosa: Rebeldía adolescente devaluada

* * *        BUENA

No son pocos los intentos cinematográficos que buscan recrear el complejo entramado de sentimientos que uno experimenta en esa etapa de contrariedades y rebeldías que conocemos como “adolescencia”. Tributaria de esos intentos, "Ginger & Rosa" retrata la historia de dos inseparables amigas; distintas, pero inseparables.
La trama se desarrolla en la Inglaterra de los años ’60, en tiempos en que Estados Unidos descubre la existencia de misiles soviéticos en Cuba. La amenaza de una guerra nuclear capaz de exterminar la vida occidental oficia como disparador para que Ginger (Elle Fanning) y Rosa (Alice Englert) den rienda suelta a una serie de acciones que revelan sus miedos, aspiraciones, traumas familiares, dudas y planteos existenciales. El descubrimiento del amor, las ansias de lucha por la libertad y la seguridad, el enfrentamiento hacia instituciones como la familia y el desprecio hacia la figura maternal, son algunos puntos que se van hilando en este marco conflictual que plantea este hito de la Guerra Fría. 
A medida que la historia va avanzando, la inocente, poeta y racional Ginger muestra sus dotes activistas; en tanto que la religiosa, sensual y osada Rosa deja libre sus deseos más íntimos y mantiene una relación con el padre de su amiga (Alessandro Nivola). Esta relación revela una discusión en torno a valores morales, estructuras familiares y modos de concebir la vida, en la que juega especial importancia la idea misma de amistad.
El guión está muy bien planteado, con elementos ricos y atractivos, en una clara intención de mostrar la vida de dos adolescentes conflictuadas que se enfrentan a los patrones de familia que heredan, en una época decisiva para la paz mundial. Pero el punto flojo lo encontramos en el modo pausado y lento de ir construyendo la historia y en el uso excesivo del vacío apocalíptico que genera los escenarios y paisajes. Por momentos, resulta difícil de soportar ese ritmo aletargado, atentando contra la efectividad de la trama. Si la idea inicial era plasmar la rebeldía adolescente, elemento que crece por momentos y que se desvanece en otros, un ritmo un tanto más acelerado hubiese sido una acertada decisión.
Se nota que la historia está centrada en la vida de Ginger, recreada por una Elle Fanning ("Super 8") que demuestra día a día que tiene todas las aptitudes actorales para relegar a las sombras (por no decir, al olvido) a su hermana Dakota. Su impecable actuación contrasta con la de Alice Englert ("Hermosas Criaturas") quien batalla por mostrar toda la personalidad de Rosa, personaje que el guión dejó en potencial, sin permitirle un digno desarrollo. El elenco también cuenta con las participaciones de actores consagrados como Annette Bening, Timothy Spall y Oliver Platt. Un desperdicio que figuras de tal envergadura hayan sido reducidos a papeles equivalentes a imprescindibles.
En resumen, una idea bien concebida pero con inconvenientes a la hora de instrumentarla. Una pena que lo interesante del guión haya quedado varado a mitad de camino. Lo destacado, sin lugar a dudas, es la actuación de Elle Fanning. Por sí mismo, ese hecho constituye justificación suficiente para comprar el ticket del cine y deleitarse con su solvencia como actriz.

Crítica realizada por Leonardo Arce

Rigoletto en apuros: El arte del buen envejecer

* * * *  MUY BUENA

Un versátil actor dirigiendo un excelente equipo de talentosos actores constituye una combinación perfecta para producir una comedia entretenida, pequeña y emotiva. El legendario Dustin Hoffman se pone en la piel de director y nos deleita con su ópera prima, en la que reivindica la tercera edad y el valor del paso del tiempo.

“La vejez no es para cobardes” repite Cecily, un personaje entrañable en la trama. Y ciertamente hay mucha verdad es esa frase; verdad que se pone de manifiesto en el transcurso de la cinta. El miedo a envejecer es una sensación inevitable y suele traducirse en un miedo al futuro. Pero en esta película, vemos un grupo de gente mayor, olvidada y condenada al mero transcurso del tiempo, que vive el día a día valorizando la cotidianeidad a través del recuerdo alegre de sus años dorados con la música y asumiendo las limitaciones que el propio tiempo les impone.

La historia transcurre en una pintoresca casona, lugar de descanso de un grupo de músicos y cantantes retirados que han dedicado toda su vida a la ópera. La tranquila vida diaria se ve sacudida ante la noticia de la llegada de un nuevo miembro a la residencia. Reginald Paget (Tom Courtenay), Wilfred Bond (Billy Connolly) y Cecily Robson (Pauline Collins), residentes del lugar, se sorprenden cuando se enteran de que ese nuevo huésped es la gran Jena Horton (Maggie Smith). Los cuatro habían formado un valioso cuarteto en el pasado, en tanto que Reginald y Jena habían conformado un matrimonio fallido. Ese reencuentro les plantea la necesidad de sanar las heridas abiertas, reasumir sus talentos, reconocerse a sí mismos en la vejez, recuperar el tiempo perdido, creer en las segundas oportunidades y volver a integrarse para recrear Rigoletto de Guiseppe Verdi, en la gala anual de recaudación de fondos para el mantenimiento de la residencia.

Sin demasiadas pretensiones, el guión cumple con el objetivo de contar una historia que atrae y de permitir un juego actoral maravilloso. Allí es donde radica la fortaleza de la cinta: la envidiable química entre los protagonistas; el cuarteto. Es de destacar (y no es para menos) la actuación de Maggie Smith, quien vuelve a darnos un formidable trabajo, revalidando con creces ese título que la coloca dentro del selecto grupo de las mejores actrices británicas de todos los tiempos. No es casual que su interpretación de haya sido galardonada con una nominación a los Globos de Oro 2013 en la categoría Mejor Actriz Protagónica en Comedia y/o Musical. Tampoco es casual que el director sea, precisamente, un actor.

Merece una consideración aparte la correcta dirección de Hoffman. La utilización de la cámara fija y de planos generales a lo largo de toda la película, se hace agradable a la vista y cuaja a la perfección en la construcción del espacio para que los actores interactúen. También se hace ineludible las referencias a la musicalización, vital para el desarrollo de la trama, compuesta por las principales obras de Verdi.

Sin caer en golpes bajos, teniendo elementos necesarios y de sobra para hacerlo, “Rigoletto en apuros” satisface al espectador: divierte y emociona, combinación difícil de realizar y de ofrecer en su justa medida. La aplaudo porque, siendo pequeña e intensa, logra emocionarme con tan solo ver las manos entrecruzadas de Reginald y Jena en la escena final, como diciéndonos: “nunca es tarde para apostar al amor”. Eso es algo que se agradece. Y mucho…

Crítica realizada por Leonardo Arce.

Scary Movie 5: La muerte de la parodia

*         MALA

¿Cuánto más se puede seguir con este fiasco? Lo más extraño de esta franquicia es que en vez de haber mejorado y pulido su humor, se ha vuelto cada vez más idiota y poco divertida. Ni siquiera tiene sentido como largometraje ya que, como leí en varios comentarios de los espectadores en los medios, presenta 1 o 2 sketches que pueden llegar a sacar una sonrisa. No hay una cohesión que le permita llamarse trama, es todo una farsa unida por hilos casi podridos, es un compendio de parodias fallidas que no funcionarían bien ni en TV por cable.
Lo loco de todo esto es que todavía queda un grupo de espectadores fieles a la franquicia que hacen que los números al final de su proyección le cierren a los productores. Para "Scary Movie 5" se gastaron 20 millones de dólares y ya lleva recaudados 31 millones a nivel mundial, es decir, que si a este presupuesto le restamos gastos de publicidad y demás yerbas, todavía podrían llevarse al bolsillo unos 5 millones limpios... Incomprensible.
Hay ciertos chistes mediocres que sólo podrían parecerles divertidos a un descerebrado cholulo que ame la vida privada de las estrellas de Hollywood en decadencia. La escena donde Charlie Sheen y Lindsay Lohan se ríen de sus patéticas vidas más que divertido es lastimoso, o ni siquiera... who cares? Es innecesaria.
Todo lo demás es cliché, poco brillante y confirma lo que esa vocecita nos decía antes de entrar a la sala: "ya sabés que va a ser mala, malísima, vas a perder tiempo y dinero". Ojalá le den un respiro a este sub género de la comedia que en este momento, puedo afirmar, está en completo estado vegetativo y sin ideas. No se la recomendaría a nadie, ni siquiera a los que generalmente se ríen con esta estupidez. Mejor busquen experiencias nuevas de humor que en vez de seguir arruinándoles el cerebro se los recupere. Amén!

La huésped: Los triángulos de Meyer

*         MALA

Aahh... Stephenie Meyer... (moviendo la cabeza hacia los lados y poniendo cara de constipación) Siempre apelando al gronchito cursi que tenemos dentro, ese que casi todos reconocemos pero lo escondemos bien en el fondo porque sabemos que es vergonzoso. Hay que reconocerle que supo identificar ese placer pecaminoso que tienen miles de mujeres y por qué no, cientos de varones, y hacerse millonaria explotándolo.
En esta ocasión nos presenta un historia post apocalíptica en la que la humanidad ha sido dominada casi por completo por seres alienígenas, que ocupan nuestros cuerpos y ¿suprimen? el alma del humano. Estos alienígenas asesinos de especies (la Tierra es como el 7mo planeta conquistado), son en realidad también agentes del ¿bien y la bondad?, es decir que ocupan nuestros cuerpos con el objetivo de mejorarnos como especie... pero para ello nos matan... Bue... como verán de base la historia es bastante polémica y contradictoria. Yo creo que en realidad este contexto Sci-Fi mediocre que plantea Meyer es una mera excusa para reproducir esa fórmula romanticona tan efectiva que le está llenando los bolsillos, el triángulo amoroso adolescente. Sólo cambió el envoltorio, de vampiros y lobos a marcianos y rebeldes humanos, pero en esencia la trama central pasa por los amoríos juveniles y las decisiones basadas en la ebullición hormonal.
A diferencia de "Crepúsculo", se ve que esta vez soltaron un poco más la billetera y se pudo contratar un cast de mayor categoría interpretativa, con nombres como Saoirse Ronan, Diane Kruger y William Hurt, pero aún así el producto es absolutamente mediocre y hasta por momentos irritante. No entiendo que le pasa a Andrew Niccol, un tipo que dirigió películas como "Lord of War" o "Gattaca" y que escribió el guión de esas dos pelis más el de "The Truman Show", ahora metido en proyectos descerebrados como este. ¿Es sabia la decisión de meterse en estos culebrones adolescentes? Ojalá Niccol vuelva a las raíces y se deje de joder con estos amoríos superficiales.
Tiene los peores aspectos de Crepúsculo, sobre todo la amargura de esos personajes inexpresivos que dan ganas de tirarle con algo a la pantalla para ver si se despabilan un poco. Tiene momentos románticos bien pegajosos y como dice un amigo, extremadamente virgos, donde las hormonas parecen explotar por situaciones tan tontas como una caricia en el pelo. Sólo para los fans más fieles a la literatura "Meyer".