Carrie: Lo innecesario

* *     REGULAR

Muchos se preguntaban, ¿cuál es la necesidad de hacer otra remake de "Carrie"? La respuesta era simple, para ganar más platita. Ok, pero ¿no debería ser extremadamente buena la remake para lograr el objetivo y no quedar mal parados? Exactamente, eso es justo lo que NO logró este intento de la Metro-Goldwyn-Meyer en asociación con Screen Gems y la directora Kimberly Peirce ("Boys don't cry").
Para empezar, ya hubo otras remakes o intentos de secuela que fueron bastantes paupérrimos. Esto desgasta mucho al público, ya que cuando se entera que habrá otro intento más en tan poco tiempo, se mal predispone y percata del objetivo netamente comercial que hay de fondo.
¿Es esta la peor versión de todas? No, pero aún así es una repetición de eventos que hemos visto hasta el hartazgo y sin mucho que aportar a lo que ya se vio antes. Tiene algunas pequeñas vueltas de tuerca que resultan una brisa de aire fresco, pero no alcanzan para que este nuevo film se convierta en algo trascendente que merezca la pena recomendar. Chlöe Moretz es convincente como Carrie, pero ni ahí logra superar a Sissy Spacek de la original. Su interpretación se perfila por el lado del terror liviano, adolescente, mientras que la actuación de Sissy resultó en su momento mucho más perturbadora. En el caso de Julianne Moore como la madre de Carrie en esta nueva versión, sí se logró un excelente resultado que está a la par de la original o incluso mejor. Personalmente me pasó que Julianne me aterrorizó mucho más que Chlöe en su momento culmine de la película, y eso no puede estar bien.
Resumiendo, hay un trabajo de producción bueno pero sin muchos momentos grosos a excepción de los choques en cámara lenta. Las actuaciones son buenas pero no logran superar en su conjunto al terror que inspiró el cast original en 1976. La historia es repetitiva y sin mucha adaptación a los tiempos actuales, de hecho se siguió explotando los ahora clichés típicos de la fiesta de graduación con su rey y reina, el bullyng de los populares a los ñoños y el desamor de la chica poco popular con el más codiciado del colegio. Sólo para aquellas personas que son fanáticas del cine de terror teen y se conforman con ver un poco de desamor y sangre en la gran pantalla en un marco de producción aceptable.

Rush: La cruda competitividad deportiva

* * * *  MUY BUENA

"Rush" es una interesante película sobre la gran rivalidad que tuvieron durante sus carreras profesionales los pilotos de fórmula 1, Niki Lauda (Daniel Brühl) y James Hunt (Chris Hemsworth). Repasa la batalla entre un freak obsesivo de la disciplina (Lauda) y un talento nato con aires de playboy (Hunt) al que parecía no costarle ni medio esfuerzo ser un ganador. Entre esas dos personalidades extremas, tuvo lugar una de la relaciones más interesantes y volátiles que se hayan producido en el mundo automovilístico. 
El director Ron Howard ("Forrest Gump", "El código Da Vinci", "Una mente brillante"), repasa tanto sus momentos de gloria como sus momentos de desgracia y miseria, centrando la trama en una especie de drama-comedia que funciona con elegancia y mantiene interesado al público en algo que a priori podría haber resultado poco atractivo. Todos sabemos que el automovilismo y puntualmente la fórmula 1, son disciplinas que tienen un número de seguidores bastante escueto, pero Howard se las arregla para llegar hasta al espectador que menos sabe del tema. El mundo de la fórmula 1 vuelve con un buen exponente a la gran pantalla y nos dice que puede ser una experiencia fabulosa de disfrutar.
La vida de los personajes, sus sueños, sus obsesiones, sus vicios, sus deseos de fama y reconocimiento están mixados con gran pericia por parte del director, que además logra sacar una muy buena interpretación de su cast, sobre todo de Brühl.
No concuerdo con algunos comentarios que leí que aseguran que "Rush" es una de las 10 mejores películas del año, no es para tanto. Está muy bien realizada, con secuencias dramáticas y de acción en la pista que son realmente fabulosas, pero más allá de lo interesante en la interacción de estos dos personajes, no es una película de gran trascendencia.
Una buena opción para disfrutar de un film sobre el automovilismo y la rivalidad deportiva, diferente a lo que se viene viendo en la gran pantalla en el último tiempo, refrescante e interesante. 

Un camino hacia mi: La hermosura de la ñoñez

* * * * * EXCELENTE

Los productores de films como "Juno", "Little Miss Sunshine" y "Los Descendientes" vuelven a la carga con una historia lindísima, de esas que arman un nudo en la garganta, pero no por tristes sino por esperanzadoras y humanas.
¡Qué linda es la ñoñez pura e inocente! Qué bueno ver como estos seres sensibles, incomprendidos, que no van con la corriente del mundo normal, se elevan por encima del desprecio y el aislamiento que plantean algunos que creen tenerla muy clara y saber de qué se trata la vida. Los escritores y directores Nat Faxon y Jim Rash, también actores en la película, componen una historia que sin ser de lo más original, logra conectar con el espectador y lo involucra con los pesares y alegrías que viven sus personajes, y eso como todos sabemos es fundamental. Es en este tipo de films donde uno puede notar el oficio de ciertas personas ligadas con esto tan espectacular llamado séptimo arte. El cast que lleva adelante la trama está encabezado por 2 caras conocidas para los productores, Steve Carell (“Vírgen a los 40”) y Toni Collette (“Sexto Sentido”), ambos muy talentosos que también participaron de otra cinta magistral como fue “Little Miss Sunshine”. Completan el elenco el siempre efectivo Sam Rockwell (“Milagros Inesperados”), Liam James (“2012”) en su primer protagónico, Allison Janney (“Juno”) y AnnaSophia Robb (“Soul Surfer”) entre otros.
La película tiene ese tono de comedia dramática que acaricia y golpea durante todo el metraje, mostrándose simple y sincera, muy autoconciente de sus fortalezas y debilidades. Por momentos es un poco vulgar, porque sus personajes lo son, y eso es realmente efectivo para lograr el efecto deseado. A la crítica snob que aplaude una canallada como “Amour” seguro le parecerá que es simplona y ordinaria,  pero los que vivimos en el mundo real podremos disfrutar de sensaciones tan cercanas como sanadoras.

Los Elegidos: Terror indie efectivo

* * *     BUENA

"Dark Skies" es una respetable película de terror de bajo presupuesto y mucha vocación de cine, que lamentablemente pasó sin mucha pirotecnia por los cines argentinos, algo que suele suceder a menudo si la distribución no cuenta con una buena inyección de verdes por detrás. 
Si bien trata el tema de la abducción de humanos por parte de los extraterrestres, algo que hemos visto muchas veces en pantalla, se las arregla para mantener al espectador tensionado durante casi todo el metraje y cae pocas veces en lo burdo.
En esta ocasión, el director Scott Stewart levanta el promedio luego de los dos bodrios de ángeles y demonios que filmó con Paul Bettany, "Legion" y "Priest". Y bueno, dicen que cuando uno tiene menos herramientas se pone más creativo y enfoca mejor su trabajo. Aplica un buen uso del suspenso y la anticipación de los momentos claves, lo que sube el nivel de la producción y la hace parecer más cara de lo que realmente fue. Por su lado los intérpretes hacen una buena labor, sobretodo Josh Hamilton (Daniel Barret) y el adolescente Dakota Goyo (Jesse Barret) que ya vimos en títulos como "Real Steel" con Hugh Jackman.
No es un exitaso del género del terror pero entretiene mucho más que la media de prospectos que lo representan. Tiene elementos de las típicas películas de terror pero está manejada de una manera que sobrepasa al cliché y se deja ver con atención. Sugerir la maldad de los visitantes de otro planeta con pequeños recursos artesanales de la vieja escuela como lesiones corporales, hipnotismo y un poco de violencia de género no estuvo mal, aunque se podría haber innovado un poquito más para salir de lo estándar.
Redondeando, es un film de aura indie que se las arregla, más allá de su poco presupuesto, para mantener una calidad aceptable y entretener al espectador que va buscando un poco de tensión al cine.

Apuesta máxima: Más que máxima, viene sin fuerza

* *     REGULAR

El nombe "Apuesta máxima" es una ironía si tenemos en cuenta que el director Brad Furman ("The Lincoln Lawyer") se fue por un camino demasiado seguro, tanto que cayó en casi todos los clichés de las películas sobre estafas y traiciones. Más bien la re nombraría "Apuesta débil" o "Apuesta con miedo".
Visualmente la película está bastante bien, mostrando el lujo de la mafia de las apuestas y los excesos, a su vez nos sumerge en el mundo de los juegos por dinero online, puntualmente juegos online de póker, lo que podría haber resultado mucho más atractivo de lo que realmente fue. Los actores están bien también en sus respectivos roles, entonces, ¿cuál fue el problema de esta producción? En primer lugar le faltó más vuelo al guión, ya que la historia terminó siendo absolutamente predecible y digna de un fim de TV de Hallmark Channel. Es el eterno problema de guión de siempre. Me cuesta creer que los escritores o directores cometan siempre el mismo pecado. Sospecho que es una cuestión más de los estudios, que normalmente piensan que hacer películas es aplicar una misma fórmula hasta el hartazgo exprimiendo el jugo de la naranja de oro hasta que los números no cumplan con las expectativas.
Hay traiciones, momentos de tensión y figuras de moda en Hollywood como Justin Timberlake y Ben Affleck, pero así y todo la propuesta resulta soporífera y hace soltar un par de bostezos durante el metraje. No se logra la interacción adecuada con el espectador y termina pasando que nos importa poco como finalice la cuestión.
Diría que es una peli sólo para fanáticos de los thrillers en serie, de esos donde mientras haya una buena puesta, locaciones atractivas y una mínima de nudos y tensiones se acepta como producto entretenido. A mi me pareció que se quedó bastante corta.

Blue Jasmine: El poder de un personaje y una actuación

* * * * * EXCELENTE

El aclamado director, actor, guionista y escritor Woody Allen vuelve a deleitarnos con una historia fiel a su estilo. El sello del neoyorquino se nota en “Blue Jasmine”, cuyo libreto contiene todos los elementos que caracterizan sus obras: cotidianos y complejos personajes que se entrecruzan en ocurrentes historias y que, a medida que la trama se va desarrollando, fluyen entre ellos intensos diálogos que desbordan comicidad e inteligencia, sin olvidarnos de que la musicalización (ese jazz que no nos sorprende en su filmografía) se apropia de las escenas que se nutren de bellas tomas de espacios en los que la historia se presenta.
Mi gusto personal me hace cuestionar a aquellas películas que se centran en un único personaje. Pero la desbordante y profunda actuación de Cate Blanchett me obliga a reconocer el gran valor que tiene en la trama el hecho de que todo gire en torno al personaje que nos regaló esta “bestia” de la actuación.
Así, vemos a Jasmine (Cate Blanchett), una distinguida y acaudalada mujer de la alta sociedad neoyorquina quien, de la noche a la mañana, ve cómo su vida se desmorona: de vivir la plenitud de su matrimonio con Hal (Alec Baldwin) rodeada de joyas, glamorosas cenas e influyentes amistades, a mudarse a un sencillo departamento de su hermana Ginger (Sally Hawkins) en San Francisco. Sumergida en una profunda crisis tras perder la fortuna amasada por su marido en base a negocios sucios, Jasmine se apoya en el alcohol y los antidepresivos. Atrapada entre la indefinición de su futuro y la conflictiva convivencia con su hermana, conoce a Dwight (Peter Sarsgaard), un diplomático que se enamora rápidamente de ella.
Con el interesante y efectivo recurso del flashback, la historia desarrolla el conflictivo presente de nuestra protagonista contraponiéndolo con el exitoso pasado que justifica su estado emocional para abordar los modos en que ella intenta construir su incierto futuro. Un arco argumental centrado en la sufrida hermana de Jasmine (una Ginger a cargo de Sally Hawkins quien, después de Cate, realiza una trabajo interesante y digno de destacar) le da una bocanada de aire fresco a la historia para que la permanencia de la protagonista en la pantalla no se transforme en una saturación. Si bien estamos ante un drama, los guiños cómicos son una parada obligatoria en el camino que Allen traza en sus guiones. Esta obra no es la excepción en este sentido.
Pero toda la película es Jasmine, un personaje que no pudo ser mejor concebido: una impecable caracterización ideada por su creador y una formidable construcción a cargo de Blanchett es una combinación que da como resultado a una sofisticada y elegante mujer con trastornos de bipolaridad que acapara toda la atención del espectador. Intensa, fresca, atribulada y nefasta, Jasmine pasa por un amplio abanico de sensaciones que desbordan la pantalla gracias al talento y la internalización que de ella hizo esta grandiosa actriz. Cate, de la mano de Jasmine y Allen, se ha garantizado su plaza en la carrera por el Oscar en la categoría Mejor Actriz y me aventuro a afirmar que la estatuilla dorada recaerá en sus manos.
Quizás no estemos ante la mejor obra de Woody, pero no hay dudas sobre los méritos de una magnifica tarea que llevó adelante en la delineación de un personaje emocionalmente tan rico que le permitió la construcción de un efectivo guión que es llevado a la pantalla con calidad, talento y solvencia. Brilla como guionista, brilla como director y deja brillar a una actriz. Y el público, obviamente, agradecido.

Crítica realizada por Leo Arce

Adoro la fama: Caer en lo que uno critica

* *     REGULAR

"The bling ring" es una peli que había generado expectativa, por un lado por el hecho de que la dirigía Sofía Coppola, directora de películas como "Las Vírgenes Suicidas" y "Perdidos en Tokyo"; y por otro lado por la temática que iba a abordar: Hecho real en el que chicos ricos con problemas de autoestima y una obsesión enfermiza por las celebridades y los artículos de moda se pasan del límite moral entrando a casa de sus vecinos estrellas del cine y la TV para robarles sus pertenencias, no por necesidad, sino por fetiche. 
Todo parecía indicar una película más que interesante, pero el resultado final fue lamentablemente bastante chato y fofo. Si bien las secuencias están muy bien filmadas y el mundo de tentaciones materiales que nos presenta Coppola es hipnótico, la dinámica de la trama se va por el inodoro cuando se quiere pasar de rosca con la mirada "indie" de los hechos. Nos presenta directamente y sin ningún tipo de anestesia a 5 adolescentes irritantes, caprichosos y poco queribles, con los que supuestamente debíamos involucrarnos para que tenga sentido lo que se está viviendo en pantalla. La verdad es que nunca llegué a conectar con ninguno de ellos, quizás estuve un poco cerca con el personaje de Marc, pero ni así hubo manera. Al no conectar se producen algunas sensaciones poco placenteras como el letargo y la indiferencia hacia lo que estamos viendo. La verdad es que me daba lo mismo que pasaba con cada uno de los personajes, sólo quería que llegara el nudo final para terminar con la cuestión y ver como terminaba todo con estos mocosos. Estoy seguro que esto no es lo que busca vivir una persona cuando decide ir al cine a disfrutar de un film.
La frivolidad con la que aborda todo el tema la directora, da cuenta de la crítica poco sincera que hace sobre Hollywood y el celebrity life style del cual forma parte, o al menos deja al descubierto que no llega a ponerse en la piel del espectador promedio que lejos está de ese tipo de vida, el que seguramente verá la trama como algo poco impactante y de poca trascendencia. Quizás en USA donde este tipo de obsesión es más potente podría funcionar un poco mejor, pero por estos pagos latinoamericanos de seguro no logrará tener el efecto que Coppola esperaba.
En resumen, un peli sobre adolescentes para adolescentes que quieren pasarla bien un rato viendo a su actriz favorita, Emma Watson, en un rol distinto del que nos tiene acostumbrados. Un trabajo de intención inicial positiva que lamentablemente termina cayendo en la boludez hollywoodense que intenta criticar.

Capitán Phillips: Las dos caras de un mundo

* * * * * EXCELENTE

Historia dramática con tintes de denuncia social centrada en un ataque de piratas africanos a un barco de carga con contenedores estadounidense. Típica película a la que no solemos darle mucha bolilla por estos pagos, ¿pero saben qué?, no deberían perdérsela por nada en el mundo, sobretodo por lo excelentemente bien que está planteada, con un uso magistral del drama y el suspenso, y por los últimos 10 minutos que son sublimes, en particular la actuación de Tom Hanks que realmente deja con la boca abierta y el corazón roto. Otro para destacar es el actor somalí Barkhad Abdi, que debuta en la gran pantalla con una fuerza y carisma increíble.
Este nuevo trabajo del director Paul Greengrass ("The Bourne Ultimatum", "The Bourne Supremacy", "United 93") está basado en un hecho muy real, el secuestro en 2009 del navío de carga de contenedores MV Maersk Alabama por un grupo de piratas somalíes, que con perseverancia y desesperación lograron algo impensado para un monstruo de la seguridad militar como es Estados Unidos. La trama hace hincapié en dos pilares fundamentales, por un lado la historia de supervivencia del capitán Phillips, interpretado magistralmente por Tom Hanks, que deberá usar todo su ingenio y experiencia para tratar de sacar sana y salva a su tripulación y lograr que el robo se reduzca al mínimo posible, mientras que por otro lado Greengrass se mete con los escandalosos problemas sociales que se viven en los países pobres de África y las diferencias económicas abismales entre una superpotencia dotada de cómodos recursos monetarios y poderío militar en comparación con una nación sometida a mafias étnicas y pobreza brutal. Durante todo el film pareciera preguntarle al espectador ¿qué hacés para cambiar esta realidad?, si sabés que estas cuestiones pasan todos los días, ¿quién realmente se preocupa por las condiciones en las que viven otros seres humanos como nosotros obligados a subsistir bajo regímenes dictatoriales que los usan y descartan como papel higiénico? El mensaje es sombrío y duro, pero muy real. Finalmente remata su trabajo con 10 minutos finales tan impactantes como emocionantes. 
La película maneja muy bien la mezcla dramática y de suspenso, brindando momentos de tanta tensión que si uno mira hacia sus costados en la sala de cine, puede percibir el nerviosismo de sus vecinos dibujado en su cara de sufrimiento. 
Un verdadero entretenimiento cinematográfico que NO te dejará contento ni rebosante luego de haberlo vivido, pero seguramente te hará preguntarte cuestiones que poca veces reflexionamos por la comodidad en la vivimos habitualmente. Aplausos para don Greengrass y para el capo de Hanks que se merece una nominación a los próximos Oscars, sólo por los 5 minutos finales del film que le alcanzan y sobran para entrar en la terna.

Kick-Ass 2: Con trastabilleos, pero sale airosa

* * *     BUENA

"Kick-Ass 2" fue una película que encontró miles de problemas de distribución en Argentina, de hecho se estrenó en muy pocas salas. Además de esto, varios críticos especializados le dieron con un caño porque decían que este entrega era muy repetitiva con respecto a lo que vimos en la primera y encima Jim Carrey, arrepentido de haber participado en una producción tan violenta como esta, salió a hacer una especie de contra publicidad. Más allá de todas estas piedras en el camino, los fans son quienes deciden o no el éxito de un producto como este, y la verdad es que en este sentido logró una amplia aceptación entre sus seguidores y cumplió con las expectativas de casi todos. 
Personalmente debo decir que disfruté mucho la "Kick-Ass" original pero nunca me consideré un fanático empedernido, por lo que mis expectativas con respecto a esta secuela no eran demasiado altas. Con una mirada un tanto más objetiva que la que pueden tener sus amantes incondicionales, opino que este trabajo del director Jeff Wadlow es muy entretenido y respeta el concepto trabajado originalmente. Tiene inconsistencias de guión, eso sí, con algunas escenas de relleno y diálogos un tanto sonsos, pero más allá de esto logra salir airosa del desafío e incluso abre el universo Kickassero para desarrollar toda una franquicia exitosa, con spin off y demás yerbas que se utilizan para expandir una saga atractiva como esta. El trío Moretz, Johnson y Mintz-Plasse vuelve intacto, con sus personalidades bien marcadas y el carisma que los caracteriza. La mayor parte del humor está a cargo del villano, Mintz-Plasse, quien hace un buen trabajo como motor de la bizarreada y el descontrol. La adición de nuevos personajes como Night Bitch, Dr. Gravity, Mother Russia y el Coronel Stars and Stripes es un acierto, más allá de que Carrey no piense lo mismo.
Hay varias escenas de violencia hardcore a cargo de Hit Girl (Moretz) y la asperísima Mother Russia (Olga Kurkulina), que le suben la tensión a la historia y les dan a sus fans lo que buscaban, super héroes adolescentes, con problemáticas adolescentes y una conciencia claramente políticamente incorrecta, pero que a todos nos ha invadido durante la juventud 8sigo siendo joven, aclaro, ja).
En resumen, un producto que encontrará buena recepción entre sus seguidores, que entretiene y piensa mucho en lo que el fan estaba esperando. Si la distribución no hubiera tenido tantos problemas, seguramente no le habría ido tan mal en ciertos sectores especializados de crítica. No es una cosa de locos y pierde un poco el efecto sorpresa de la primera, pero más allá de esto es un buen producto de aventuras y acción adolescente.

Elysium: La lucha de clases

* * *     BUENA

"Elysium" es el esperado retorno del director de aquella joya cinematográfica del 2009 llamada "District 9", película que hacía una clara denuncia social sobre cómo nos tratamos entre los seres humanos y como tratamos a otros seres vivos, las reglas que nos imponemos como sociedad para separar a los más privilegiados de los más vulnerables a nivel social y económico. Con una idea muy original, Neill Blomkamp plasmaba esta historia de guetos extraterrestres siendo sometidos a los caprichos raciales de la raza humana. Con "Elysium" presenta un concepto muy parecido, sin extraterrestres, pero sí planteando un escenario post apocalíptico en donde la brecha que separa a ricos de pobres llega a niveles obscenos, tanto que éstos últimos han sido relegados a sobrevivir en la Tierra sin ninguna comodidad y en un ambiente contaminado, mientras que los millonarios disfrutan de enormes propiedades lujosas y artefactos que curan desde manchas en la piel hasta una leucemia, en una enorme facilidad ubicada a miles de kilómetros del planeta.
Nuestro (anti) héroe, interpretado por Matt Damon, se verá envuelto accidentalmente en una revolución para acabar con la miseria del pueblo que vive sometido por personas despiadadas y poderosas como Delacourt, Jodie Foster, que utilizan todos sus recursos para mantener a salvo el estilo de vida de los privilegiados.
De cierta manera, Blomkamp logra emular aquella denuncia social que le dio el salto a la fama, pero en esta entrega pierde potencia en el golpe. El tipo tiene un imaginario increíble y su talento es innegable, pero se pierde un poco en el campo de la ciencia ficción y la acción descuidando el del drama, que considero debería haber sido el género troncal de la historia. Escenas frías de muerte, muy bien creadas, pero con un impacto acolchonado por el hielo que decidió imprimirle el director a las secuencias. Por supuesto que no estoy pidiendo golpes bajos o recursos lacrimógenos clichés, pero creo que Blomkamp debió pensar un poco más en como se vería involucrado el espectador con los personajes que puso en pantalla. Por último Kruger, uno de los villanos interpretado por Sharlto Copley ("District 9"), le imprimió carisma al equipo de malvados, pero también se le fue un poco la mano con el tema del acento y los modismos sudafricanos para expresarse. Se entendía que quería dejar en claro su nacionalidad, pero aún así por momentos se volvía forzado.
Un entretenimiento muy bien elaborado, que lamentablemente se terminó yendo hacia los géneros secundarios en vez de ahondar en el drama troncal. Los amantes de las ciencia ficción la recibirán con los brazos abiertos y la disfrutarán.

Riddick: Redondeando la trilogía con altura

* * *     BUENA

A esta en primer lugar le voy a dar crédito por haber sido una remada increíble del dolape Vin Diesel. Nadie quería ponerle la guita para hacer la peli o le ponían miles de condiciones, asique Diesel decidió mejor financiarla de su bolsillo y hacerse cargo del éxito o fracaso del producto. Con un presupuesto de $38 millones de dólares y una recaudación mundial de más del doble, el pelado se le puede reír un rato a sus detractores y decirles "In your face!".
Pasando puntualmente al film, es un buen entretenimiento de aventuras y acción que de cierta manera vuelve a las raíces centrándose en la historia de supervivencia de Riddick en un planeta hostil, muy hostil. Mercenarios despiadados se suman a las amenazas monstruosas que habitan el planeta donde fue desterrado nuestro héroe tras ser engañado por los necrotratantes. Recordemos que en la última entrega, "Las crónicas de Riddick", el furiano quedaba al frente del ejército necrotratante tras tomar el trono por la fuerza y de cierta manera, por accidente. En esta tercera entrega de la saga poco veremos sobre estos personajes oscuros, que aparecen sólo al principio como recurso introductorio a lo que está por sufrir el protagonista.
En un balance general el producto es atractivo, entretiene y le da la sensación al espectador de estar viviendo la aventura con el furiano. En mi opinión, esto es suficiente como para catalogarla al menos como pasable. Si a esto le sumamos un buen trabajo de efectos visuales, un guión aceptable, actores ásperos recibiendo trompadas de Diesel y una relación de amistad entre el Hombre y el mejor amigo del Hombre (una especie de doberman hiena), el paquete cierra bien y se configura como una buena opción para los que gustan de las ciencia ficción y las pelis en clave de aventura. A los que no les gusta este tipo género en particular, no van a disfrutarla, no porque sea mala, sino porque se ajusta bastante al tipo de producto que uno catalogaría como sci-fi y fantasía. Los fans de la franquicia seguro se sentirán satisfechos y sedientos de más aventuras de Riddick en el futuro.

Fenómenos Paranormales 2: El ocaso de un buen recurso para asustar

* *     REGULAR

1999 infundió un renovado aire al género del terror. Se estrenaba “El proyecto Blair Witch”, una película que utilizaba un efectivo e innovador recurso, en el que los mismos protagonistas de la película documentaban con una cámara aficionada los extraños sucesos que experimentaban. ¡Cuántos habremos saltado de las butacas y con los corazones en la mano del susto que nos dieron escenas reales y de alto impacto! Una película que marcó un nuevo rumbo al género, rediseñando el concepto mismo del miedo.
Muchas películas precedieron este éxito (Actividad Paranormal & compañía). Pero esta nueva entrega de Fenómenos Paranormales es un exponente de la decadencia y la sobre explotación de este recurso, en el que el concepto de miedo que rediseñó aquel clásico del terror se reduce a apenas un cosquilleo insensible y sin sentido. Ya no asusta nada en esta cinta.
El guión, que se basó en malas actuaciones, escenas previsibles, apariciones que causaban gracia y en una trama demasiada floja, cuenta la historia de un grupo de adolescentes que intentan descubrir la verdad acerca de los sucesos que ocurrieron en la primera entrega. Una colección de imágenes editadas fueron presentadas como una película de ficción, pero... ¿había sido todo real? Encerrados voluntariamente en el hospital psiquiátrico en el que se filmó “Grave Encounters”, el grupo descubrirá la verdad que se esconde detrás de esas paredes y de esa película.
Quizás las apariciones le restaron mucha credibilidad al miedo que podía inspirar la oscuridad y la persecución, elementos que hubiesen funcionado medianamente sin necesidad de exponernos a ver fantasmas mal logrados. Un par de efectos especiales que rozan la mediocridad no colaboraba en nada para imprimir el terror que debería resultar. Si a esto le sumamos actuaciones similares a las de una simpática Karina Jellinek interpretando una obra de Shakespeare, la recreación del argumento deja mucho que desear.
Pese a ello, la trama tiene elementos interesantes, que ofician como disparadores de la duda acerca de la realidad (o no) de los acontecimientos relatados en la primera parte. Pero el peso mismo de estos aportes no logran equilibrar la balanza, que termina inclinándose hacia el lado negativo.
Es una pena que la mala utilización de un recurso que generó miedo por montones haya sido sobre explotado a tal punto de no infundir actualmente nada en el espectador. Eso corrobora la fácil idea de que es preferible ir por caminos conocidos y que generan ganancias económicas aceptables, antes que asumir riesgos y utilizar líneas argumentativas nuevas. Las ideas se agotan, no por la debilidad de su efectividad, sino por la insistente decisión de utilizarlas hasta el hartazgo.

Crítica realizada por Leo Arce.

Gravedad: Vértigo que succiona

* * * *  MUY BUENA

¡Cuánta expectativa que se había formado en torno a este estreno del director mexicano Alfonso Cuarón! Debo decir que la película no defrauda, en absoluto, es puro entretenimiento vertiginoso durante los fabulosos 90 minutos. También creo que hay que sincerarse y decir que hubo un trabajo de promoción espectacular en torno a su lanzamiento, lo que provocó que se engrandeciera aún más la propuesta, que es buenísima, un 9 diría, pero de seguro no es la mejor película del año como se anduvo diciendo por las redes sociales y algunos medios digitales. Se me ocurre "Before Midnight", "Jagten" o "Capitán Phillips" por nombrar algunas que, a mi criterio, han sido mejores trabajos que "Gravity", y aún falta un largo camino de estrenos grandes que se están guardando para la temporada Oscars 2014. No me mal interpreten, el trabajo del trío Cuarón-Bullock-Clooney es asombroso, increíblemente entretenido y muy bien ejecutado, pero creo que al igual que con "Argo" de Ben Affleck el año pasado, se ha creado un amor desmesurado e incondicional por este título. Dicho esto, creo que como película de ciencia ficción, es una de las producciones más impactantes y mejor realizadas de los últimos 10 años junto a las Star Trek de J.J. Abrams. El manejo de los planos que utilizó Cuarón y el suspenso/terror que le imprimió a la dinámica de la película, fue sencillamente espectacular. Recordemos que el film se sostiene con solo los eventos desafortunados que viven 3 astronautas en el espacio y las interpretaciones de los ya consagrados George Clooney y Sandra Bullock, eso es todo. No es fácil crear un entretenimiento fuerte a partir de estos pocos recursos, pero el director de la también alabada "Children of Men" (2006), lo logra y sale más que victorioso en el proceso. La nominaciones varias para los Oscars 2014 están casi aseguradas, sobre todo en las ternas de "Mejor Actriz Principal", "Mejor Director", "Mejor Guión" y hasta "Mejor Película".
Una cuestión con la que sigo sin habituarme es el maldito 3D que tenemos en la Argentina... quizás no tanto por el formato en sí, sino por lo flojos que son los soportes que permiten ver este tipo de trabajos cinematográficos. Los lentes 3D son de lo más incómodos y poco prácticos instrumentos que se crearon en el último tiempo. He dicho.
Volviendo a la peli, es super recomendable, como para ver algo distinto de lo que se viene ofreciendo habitualmente desde Hollywood, con momentos realmente angustiantes y desesperantes, con algunas secuencias espaciales que parecen succionar al espectador hacia dentro de la pantalla y hacerle vivir el vértigo de los protagonistas. ¡A no perdérsela!

La noche del demonio 2: Terror elevado a una buena potencia

* * * *  MUY BUENA

El director James Wan es una especie de nuevo “maestro del terror” del cine actual. Ese título lo obtuvo en 2004 cuando estrenó la taquillera “Saw”, lo confirmó con “La Noche del Demonio” (2011) y lo revalidó con “El Conjuro” (2013) quien, en opinión de nuestro gran amigo Mauro Jacobo, “es una de las sorpresas más grandes de esta temporada y la verdad es que se merece el reconocimiento que se le ha hecho como tal”. Es inevitable hacer una comparación entre las dos películas que el realizador estrenó este año, ya que “El Conjuro” precedió en cartelera a ”La Noche del Demonio 2” y se tornó un singular éxito. Eso implica que la primera se transforma en un molde o lente sobre el cual se juzga a la película que me convoca a escribir. De todos modos, “La Noche...” tiene cierta autonomía que se desprende de aquella y hace la suya en ciertos aspectos.
Dos años atrás, la familia Lambert sufría una serie de eventos paranormales. Creyendo estar en una casa embrujada, pronto se dieron cuenta de que el terror nacía del seno mismo de la familia. El hijo mayor de la familia, Dalton, poseía un don: la proyección mental en los sueños que le permite el contacto con mundos del más allá. Y el don lo heredó de su padre. En esta segunda entrega, la trama retoma la historia de la primera parte y vemos a Josh (Patrick Wilson), padre de Dalton, perder su alma en ese mundo paralelo, quien es posesionado por un espíritu maligno que lo obliga a realizar una terrible tarea: matar. La raíz de los turbulentos sucesos es la conexión del mundo de los mortales con el mundo de los espíritus. La lucha se centrará en recuperar a Josh y terminar con la influencia de los espíritus.
En varias reseñas a títulos de este género, resalté que éste tiene elementos repetitivos y explotados de manera sistemática. Esta cinta no está exenta de apariciones demoníacas, objetos que vuelan, posesiones y misterios, elementos que comparte, por ejemplo, con “El Conjuro”. Y en otras críticas puse de relieve la importante tarea que tiene a su cargo el director. En una oportunidad dije que “... una historia bastante sencilla y simple no impide que un director pueda proponer una elaboración personal atractiva en el modo de presentarla...” (La Gran Boda). Y eso es el punto fuerte de la película: la visión de su director, quien tiene una solvencia insuperable para colocar cada elemento integrante de la trama de una forma inteligente y atractiva. No importa cuánto se cuenta, sino cómo se lo cuenta. Este concepto, lo comprende, lo pone el práctica y es efectivo a la hora de analizar la reacción que genera en el espectador, quien no se ahoga en baños de sangre y se terrorífica con sutilezas que implican un gol de media cancha.
Ayuda a su trabajo un guión interesante, que desarrolla el pasado de los personajes y ahonda allí donde puede conseguirse el máximo provecho a la trama. Hay que recalcar que se trata de una secuela y afortunadamente no se le aplica la famosa máxima: “las secuelas no superan a las primeras partes”. Si bien no es superior a la primera, cuenta con un argumento que retoma las líneas argumentales de aquella y las desarrolla y profundiza, creando una cierta continuidad de las tramas de ambas películas. Un guiño a esa decisión.
En síntesis, se trata de un trabajo interesante y que se disfruta, manteniendo al espectador casi sin aliento. Y el final deja varias puertas abiertas que podrían llegar a desembocar en una tercera entrega. ¿Será cierto eso? Yo creo que sí: a esta altura, la noticia está confirmada. Espero con ansias un nuevo encuentro con el mundo de los espíritus.

Crítica realizada por Leo Arce.